Asa Butterfield e Jack Charles Scanlon – Do filme O Menino do Pijama Listrado

 

Asa Bopp Farr Butterfield, cujo nome completo é Asa Maxwell Thornton Farr Butterfield - sendo “Bopp” uma referência ao cometa Hale-Bopp - nasceu em 1º de abril de 1997, em Islington, Londres.

Filho da psicóloga Jacqueline Farr e do publicitário Sam Butterfield, ele iniciou sua trajetória artística ainda na infância e, ao longo dos anos, consolidou-se como um dos atores britânicos mais consistentes de sua geração, destacando-se pela transição bem-sucedida de papéis infantis para personagens mais complexos e maduros.

Butterfield ganhou projeção internacional muito cedo, aos 10 anos, ao interpretar Bruno no filme O Menino do Pijama Listrado (The Boy in the Striped Pyjamas, 2008), dirigido por Mark Herman e baseado no romance homônimo de John Boyne.

Sua atuação como o filho inocente de um comandante nazista - que desenvolve uma amizade proibida com um menino judeu do outro lado da cerca de um campo de concentração - foi amplamente elogiada pela sensibilidade e naturalidade.

O desempenho lhe rendeu indicações ao British Independent Film Award e ao London Film Critics’ Circle Award como Jovem Ator Britânico do Ano. Em 2011, Butterfield protagonizou Hugo (Hugo Cabret), dirigido por Martin Scorsese, no papel do jovem órfão que vive escondido em uma estação de trem parisiense.

O filme foi um marco em sua carreira, rendendo-lhe o Young Hollywood Award de Melhor Performance Masculina, além de indicações ao Critics’ Choice Movie Award de Melhor Jovem Ator e ao Empire Award de Melhor Estreante Masculino.

Na década seguinte, ele consolidou sua versatilidade em produções variadas, como Ender’s Game (2013), no papel de Ender Wiggin; X+Y (2014), também conhecido como A Brilliant Young Mind, interpretando o matemático prodígio Nathan Ellis, atuação que lhe garantiu nova indicação ao British Independent Film Award de Melhor Ator; Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children (2016), dirigido por Tim Burton; e The Space Between Us (2017).

Entre 2019 e 2023, Asa Butterfield alcançou um novo patamar de reconhecimento ao interpretar Otis Milburn, protagonista da série de comédia dramática Sex Education, da Netflix.

O personagem - um adolescente socialmente inseguro que passa a administrar uma “clínica de aconselhamento sexual” na escola, inspirando-se no trabalho da mãe terapeuta - tornou-se um dos mais emblemáticos da televisão recente. A série foi um fenômeno global, elogiada por sua abordagem sensível e inclusiva sobre sexualidade, amadurecimento e identidade, além de lançar coestrelas como Ncuti Gatwa e Emma Mackey.

Mais recentemente, em 2025, Butterfield estreou nos palcos com a peça Second Best, um monólogo de aproximadamente 90 minutos apresentado no Riverside Studios, em Londres, entre janeiro e fevereiro, com extensão da temporada devido à boa recepção.

Adaptada do romance de David Foenkinos, a obra narra a história de um ator que quase foi escolhido para interpretar Harry Potter, explorando temas como frustração, rejeição e os caminhos alternativos da vida - os famosos “e se?”.

No mesmo ano, ele dublou o protagonista do filme de animação Stitch Head (2025) e tem projetos futuros anunciados, incluindo o thriller psicológico Out of the Dust, da Netflix, e o longa de animação sci-fi Rogue Trooper.

Além da atuação, Butterfield ministra master classes anuais de interpretação desde 2017 e é conhecido por seu interesse em games, música e tecnologia, áreas nas quais costuma se envolver de forma ativa e criativa.

Início da carreira

Asa Butterfield começou a atuar aos sete anos, no Young Actors Theatre Islington. Seus primeiros trabalhos foram pequenos, mas significativos, incluindo a produção televisiva After Thomas (2006), o filme Son of Rambow (2007) e um episódio da série Ashes to Ashes (2008), no qual interpretou o personagem Donny.

O grande ponto de virada veio em 2008, quando participou de um processo de audição rigoroso para O Menino do Pijama Listrado. Foram cerca de dez testes, e apenas após o sexto ele começou a acreditar que poderia conquistar o papel.

O produtor David Heyman e o diretor Mark Herman buscavam uma criança capaz de transmitir uma inocência genuína e não ensaiada. Durante as audições, os candidatos foram questionados sobre o que sabiam a respeito do Holocausto; Butterfield demonstrou saber muito pouco - algo que foi deliberadamente mantido durante as filmagens para preservar a pureza emocional do personagem Bruno.

As cenas finais, de forte impacto dramático, foram gravadas apenas no encerramento da produção, permitindo que os jovens atores se preparassem emocionalmente.

Ambientado na Segunda Guerra Mundial, o filme aborda a amizade improvável entre Bruno, filho de um oficial nazista, e Shmuel, um menino judeu prisioneiro do campo de concentração.

Embora amplamente elogiado pelas atuações e pela carga emocional, o longa também gerou debates, sendo criticado por alguns historiadores por sua abordagem ficcional e por simplificações do contexto do Holocausto.

Ainda assim, a obra é frequentemente reconhecida como uma porta de entrada acessível para o tema, especialmente para públicos mais jovens.

Asa Butterfield - Bruno

Jack Scanlon

Jack Charles Scanlon, nascido em 6 de agosto de 1998, em Canterbury, Kent, Inglaterra, é um ex-ator infantil conhecido principalmente por interpretar Shmuel em O Menino do Pijama Listrado (2008).

Criado na cidade de Deal, Scanlon viveu com os pais e o irmão mais novo e estudou na Sir Roger Manwood’s School, antes de cursar Música Comercial na Bath Spa University.

Ele foi selecionado para o papel de Shmuel por meio de seu clube local de teatro. O diretor Mark Herman reduziu a escolha final a três candidatos e testou cada um ao lado de Asa Butterfield.

A química entre os dois jovens atores foi decisiva, levando Herman a comentar que “Jack e Asa se complementaram muito bem”, algo essencial para a credibilidade emocional do filme.

Embora O Menino do Pijama Listrado tenha sido sua estreia no cinema, Scanlon já havia atuado no curta-metragem The Eye of the Butterfly e em um episódio de The Peter Serafinowicz Show (2007). Posteriormente, interpretou o irmão mais novo do protagonista na minissérie infantil Runaway (2009), da BBC.

Após esses trabalhos, Jack Scanlon optou por se afastar da atuação, concentrando-se nos estudos e na vida pessoal. Desde então, não há registros de projetos recentes no cinema ou na televisão, mantendo-se distante dos holofotes que marcaram sua infância.

Jack Charles Scanlon - Shmuel

Read More

A Paixão de Cristo

 

O famoso filme "A Paixão de Cristo", dirigido por Mel Gibson e lançado em 2004, reconta os eventos das últimas horas da vida de Jesus Cristo, com base nos relatos bíblicos dos Evangelhos.

Uma das cenas mais impactantes e controversas ocorre durante a flagelação de Jesus, quando ele é brutalmente espancado enquanto amarrado a um tronco pelos soldados romanos.

Nesse momento, um personagem misterioso surge na multidão, carregando um bebê nos braços. Essa figura, interpretada pela atriz italiana Rosalinda Celentano, é o próprio Satanás, retratado com uma aparência andrógina para enfatizar a natureza espiritual e sem gênero dos anjos caídos, conforme tradições teológicas.

A cena é extremamente estranha e sombria: Satanás não profere uma única palavra, mas seu aspecto sinistro - com pele pálida, olhos penetrantes e uma expressão de malícia sutil - combinado à aparência grotesca do bebê, que parece um homem adulto envelhecido e deformado, com cabelos nas costas, desperta questionamentos profundos.

Filmada em câmera lenta, ela intensifica o horror, contrastando com a violência gráfica sofrida por Jesus, interpretado por Jim Caviezel. Esse trecho, que dura apenas alguns segundos, tem um significado simbólico que muitos espectadores não captaram imediatamente na época do lançamento, gerando debates e interpretações variadas.

De acordo com o próprio Mel Gibson, o diretor do filme, a intenção era ilustrar como o mal distorce o que é bom e puro. Em entrevistas, Gibson explicou que a imagem representa uma paródia invertida da Virgem Maria carregando o Menino Jesus - um "anti-Madona e Criança".

Satanás, ao segurar um bebê feio e maduro, zomba da encarnação divina de Cristo, sugerindo uma versão pervertida da maternidade e da inocência. Ele descreveu: "É o mal distorcendo o que é bom. O que há de mais terno e belo do que uma mãe e uma criança?

Então, o Diabo pega isso e distorce um pouco. Em vez de uma mãe normal e uma criança, você tem uma figura andrógina segurando um 'bebê' de 40 anos com cabelos nas costas.

É estranho, chocante, quase demais - assim como virar Jesus para continuar açoitá-lo quando seu corpo já está dilacerado."

Essa simbologia reforça a ideia de que Satanás tenta quebrar a convicção de Jesus em seu sacrifício, insinuando que até o Diabo "cuida" de seu "filho" (possivelmente uma alusão ao Anticristo, conforme interpretações apocalípticas na Bíblia, como no Livro do Apocalipse), enquanto Deus permite que seu Filho único seja humilhado e torturado.

Para contextualizar os acontecimentos, a flagelação de Jesus é descrita nos Evangelhos (como em Mateus 27:26 e João 19:1), onde Pôncio Pilatos ordena que Jesus seja açoitado antes da crucificação, uma punição romana comum que envolvia chicotes com pontas de metal ou ossos para rasgar a carne.

No filme, Gibson amplifica essa violência para enfatizar o sofrimento físico e espiritual de Cristo, o que gerou controvérsias: críticos acusaram o longa de ser excessivamente gráfico e até antissemita, por retratar os líderes judeus como principais instigadores da crucificação.

Apesar disso, "A Paixão de Cristo" foi um sucesso de bilheteria, arrecadando mais de US$ 600 milhões mundialmente, e inspirou reflexões teológicas em audiências religiosas.

Nos bastidores, a produção foi marcada por desafios, incluindo lesões reais no set - Caviezel sofreu hipotermia, deslocamento de ombro e foi atingido por um raio durante as filmagens.

É certamente uma cena com um significado profundo, que muitos não perceberam à primeira vista, destacando temas como a tentação, o mal disfarçado e a redenção através do sofrimento.

O filme como um todo é peculiar e vale a pena ser assistido com atenção aos detalhes, desde as línguas originais (aramaico, latim e hebraico) até os simbolismos visuais, como o corvo bicando o ladrão na cruz ou a lágrima de Deus caindo do céu após a morte de Jesus.

Eu assisti a esse filme apenas uma vez e, apesar de ter a película em meu computador, nunca mais o revi, talvez pelo impacto emocional intenso. Não sei como o homem, criado - segundo a Bíblia - à imagem e semelhança de Deus, pode também manifestar tanta violência prazerosa, como vista na multidão que assiste à tortura.

A imagem de Satanás com o bebê é particularmente apavorante, especialmente em câmera lenta, evocando um terror psicológico que persiste. Na verdade, todos os filmes dirigidos por Mel Gibson, como "Coração Valente" (1995), "Apocalypto" (2006) e "Até o Último Homem" (2016), são marcados por elementos controversos ou simbólicos que convidam a pesquisas mais profundas para entender suas motivações.

Em "A Paixão de Cristo", Gibson, que é católico devoto, incorporou influências de visões místicas, como as de Ana Catarina Emmerich, uma freira do século XIX cujas descrições de visões da Paixão inspiraram partes do roteiro.

Essa abordagem torna o filme não apenas uma narrativa histórica, mas uma meditação visual sobre fé, pecado e salvação, que continua a dividir opiniões duas décadas após seu lançamento.

Read More

Uma história para conhecer - Władysław Szpilman

 

No dia 23 de setembro de 1939, em meio ao estrondo ensurdecedor das bombas que caiam sobre Varsóvia, Władysław Szpilman sentava-se ao piano da Polskie Radio e executava o Noturno em dó menor, de Chopin. O som das explosões era tão próximo e tão violento que ele mal conseguia distinguir suas próprias notas.

Ainda assim, continuou tocando - como se a música fosse o último fio que o ligava à civilização que desmoronava ao redor. Aquela apresentação entrou para a história como a última transmissão musical ao vivo da capital polonesa antes da escuridão absoluta imposta pela guerra.

Poucas horas depois, uma bomba alemã atingiu a sede da emissora. A rádio silenciou, e com ela calou-se uma era inteira. Szpilman, no entanto, sobreviveu, enquanto o mundo que conhecia começava a desaparecer. Sua família não teve a mesma sorte: mortos ou deportados, tornaram-se vítimas do extermínio sistemático levado a cabo pelos nazistas.

O pianista, obrigado a viver no gueto de Varsóvia, viu de perto o processo lento, cruel e burocrático de desumanização: fome, frio, doenças, execuções públicas e deportações diárias.

Trabalhou como músico em cafés clandestinos, testemunhou a degradação da comunidade judaica e enfrentou o medo constante de ser levado para Treblinka. Seus dias se transformaram em uma rotina de sobrevivência, silêncio e esperança frágil.

Após escapar por pouco da deportação, Szpilman passou meses escondido em ruínas e apartamentos abandonados. A cidade queimava, os prédios desabavam, as ruas viravam labirintos de escombros.

A solidão era tão brutal quanto a guerra em si. Vivendo de restos de comida, febril, fraco, reduzido quase a uma sombra, ele continuou resistindo - pelo instinto e pela lembrança da música que carregava dentro de si.

Foi então, já no fim do conflito, que o improvável aconteceu. Em um prédio devastado, onde Szpilman mal conseguia ficar de pé, um capitão alemão, Wilm Hosenfeld, o encontrou. Em vez de denunciá-lo, pediu-lhe para tocar.

Diante de um piano destruído pelo frio e pelo abandono, Szpilman executou o mesmo noturno de Chopin que tocara anos antes no rádio. Aquela música - frágil, trêmula e ao mesmo tempo sublime - salvou sua vida. Hosenfeld passou a ajudá-lo secretamente, fornecendo comida, roupas e proteção até o fim da ocupação alemã.

Em O Pianista, Szpilman narra com precisão e sensibilidade suas experiências entre 1939 e 1945: o colapso abrupto de sua vida, o cotidiano sufocante do gueto, a fuga improvável, os esconderijos, a destruição total de Varsóvia e o inesperado gesto de humanidade vindo de um oficial inimigo.

Sua narrativa expõe com clareza a dualidade do ser humano - a crueldade impensável e a compaixão inesperada - vivida no coração de um dos períodos mais sombrios da história.

O testemunho de Szpilman é, ao mesmo tempo, um documento histórico e literário: um mergulho profundo no horror do Holocausto e na força do espírito humano diante da barbárie.

O livro inspirou o filme homônimo de Roman Polanski, vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes e de três Oscars - Melhor Diretor, Melhor Ator e Melhor Roteiro Adaptado - tornando-se uma das obras mais impactantes já produzidas sobre a Segunda Guerra Mundial.No dia 23 de setembro de 1939, em meio ao estrondo ensurdecedor das bombas que caiam sobre Varsóvia, Władysław Szpilman sentava-se ao piano da Polskie Radio e executava o Noturno em dó menor, de Chopin. O som das explosões era tão próximo e tão violento que ele mal conseguia distinguir suas próprias notas.

Ainda assim, continuou tocando - como se a música fosse o último fio que o ligava à civilização que desmoronava ao redor. Aquela apresentação entrou para a história como a última transmissão musical ao vivo da capital polonesa antes da escuridão absoluta imposta pela guerra.

Poucas horas depois, uma bomba alemã atingiu a sede da emissora. A rádio silenciou, e com ela calou-se uma era inteira. Szpilman, no entanto, sobreviveu, enquanto o mundo que conhecia começava a desaparecer. Sua família não teve a mesma sorte: mortos ou deportados, tornaram-se vítimas do extermínio sistemático levado a cabo pelos nazistas.

O pianista, obrigado a viver no gueto de Varsóvia, viu de perto o processo lento, cruel e burocrático de desumanização: fome, frio, doenças, execuções públicas e deportações diárias.

Trabalhou como músico em cafés clandestinos, testemunhou a degradação da comunidade judaica e enfrentou o medo constante de ser levado para Treblinka. Seus dias se transformaram em uma rotina de sobrevivência, silêncio e esperança frágil.

Após escapar por pouco da deportação, Szpilman passou meses escondido em ruínas e apartamentos abandonados. A cidade queimava, os prédios desabavam, as ruas viravam labirintos de escombros.

A solidão era tão brutal quanto a guerra em si. Vivendo de restos de comida, febril, fraco, reduzido quase a uma sombra, ele continuou resistindo - pelo instinto e pela lembrança da música que carregava dentro de si.

Foi então, já no fim do conflito, que o improvável aconteceu. Em um prédio devastado, onde Szpilman mal conseguia ficar de pé, um capitão alemão, Wilm Hosenfeld, o encontrou. Em vez de denunciá-lo, pediu-lhe para tocar.

Diante de um piano destruído pelo frio e pelo abandono, Szpilman executou o mesmo noturno de Chopin que tocara anos antes no rádio. Aquela música - frágil, trêmula e ao mesmo tempo sublime - salvou sua vida. Hosenfeld passou a ajudá-lo secretamente, fornecendo comida, roupas e proteção até o fim da ocupação alemã.

Em O Pianista, Szpilman narra com precisão e sensibilidade suas experiências entre 1939 e 1945: o colapso abrupto de sua vida, o cotidiano sufocante do gueto, a fuga improvável, os esconderijos, a destruição total de Varsóvia e o inesperado gesto de humanidade vindo de um oficial inimigo.

Sua narrativa expõe com clareza a dualidade do ser humano - a crueldade impensável e a compaixão inesperada - vivida no coração de um dos períodos mais sombrios da história.

O testemunho de Szpilman é, ao mesmo tempo, um documento histórico e literário: um mergulho profundo no horror do Holocausto e na força do espírito humano diante da barbárie.

O livro inspirou o filme homônimo de Roman Polanski, vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes e de três Oscars - Melhor Diretor, Melhor Ator e Melhor Roteiro Adaptado - tornando-se uma das obras mais impactantes já produzidas sobre a Segunda Guerra Mundial.

Read More

Filme: A lista de Schindler

 

Filme: A Lista de Schindler e a Menina do Casaco Vermelho

A menina do casaco vermelho tornou-se um dos símbolos mais marcantes do filme A Lista de Schindler (1993), dirigido por Steven Spielberg. A obra narra a história real de Oskar Schindler, um empresário alemão que, durante o Holocausto, salvou mais de mil judeus ao empregá-los em suas fábricas, protegendo-os da deportação e da morte.

Considerado pela crítica especializada um dos maiores filmes já produzidos, A Lista de Schindler utiliza uma estética quase inteiramente em preto e branco. Spielberg explicou que essa escolha visava criar uma atmosfera documental, aproximando o público da realidade histórica e emocional da época. Para o diretor, a cor representa vida - e justamente por isso, um filme sobre genocídio, perda e desumanização deveria ser dominado pela ausência dela.

Entretanto, em meio ao mundo cinzento e devastado do Holocausto, uma única cor se destaca: o vermelho do casaco da pequena menina. Essa escolha não foi aleatória. A personagem foi inspirada no relato de Zelig Burkhut, sobrevivente do Holocausto, que contou a Spielberg a imagem inesquecível de uma menina de casaco rosado, com não mais de quatro anos, morta por um nazista diante de seus olhos.

A lembrança era tão traumática e tão viva que Burkhut disse nunca ter conseguido apagá-la - e Spielberg transformou essa memória num dos momentos mais impactantes do cinema. No filme, a aparição da menina do casaco vermelho provoca um choque emocional no espectador.

Em meio ao caos, sua figura colorida cria a ilusão de vida, pureza e esperança. Por um instante, somos levados a acreditar que ela pode escapar daquele destino cruel. Porém, essa esperança é brutalmente quebrada quando Schindler a reencontra, sem vida, sendo levada em uma pilha de corpos destinados à cremação - reconhecida apenas pelo casaco vermelho.

Essa cena é crucial não apenas para a narrativa, mas para a transformação interna de Oskar Schindler. Antes disso, ele observava a fuligem dos corpos queimados se acumulando sobre seu carro com um incômodo quase distante, burocrático.

Mas ao ver a menina morta - aquela pequena chama de cor em meio ao mundo monocromático - o impacto o atravessa de forma definitiva. É nesse momento que sua consciência desperta por completo: a guerra deixa de ser apenas uma oportunidade de lucro, e ele decide agir para salvar vidas, a qualquer custo.

A menina do casaco vermelho, portanto, não é apenas um detalhe estético. Ela é um símbolo da inocência perdida, da violência brutal do regime nazista e do ponto de ruptura moral que transforma Schindler. É também um lembrete de que, em meio à maior tragédia da humanidade, vidas individuais - pequenas, frágeis, aparentemente insignificantes - carregam um peso incalculável.

A cena tornou-se uma das mais discutidas da história do cinema, não pela grandiosidade técnica, mas pela simplicidade devastadora. Ela ecoa até hoje porque revela, com força simbólica, que cada vítima do Holocausto tinha um nome, uma face, uma história - e que perder uma única vida inocente já é, por si só, uma catástrofe humanitária.

Read More

Roubando o Oscar

 

Atores Injustiçados no Oscar: O Caso de 1994 e Além

O Oscar, embora seja um dos maiores reconhecimentos da indústria cinematográfica, nem sempre premia as atuações mais merecedoras. Ao longo de sua história, decisões controversas geraram debates acalorados, e um exemplo marcante ocorreu na cerimônia de 21 de março de 1994, durante o anúncio do vencedor de Melhor Ator Coadjuvante de 1993.

A competição era acirrada, com uma escalação de peso: Leonardo DiCaprio em Gilbert Grape: Aprendiz de Sonhador, Ralph Fiennes em A Lista de Schindler, John Malkovich em Na Linha de Fogo, Tommy Lee Jones em O Fugitivo e Pete Postlethwaite em Em Nome do Pai.

Cada um desses atores entregou performances memoráveis, mas a vitória de Tommy Lee Jones, embora respeitável, deixou muitos questionando se a Academia fez justiça.

Leonardo DiCaprio, então um jovem de 19 anos, impressionou com sua interpretação de Arnie Grape, um adolescente com deficiência intelectual em Gilbert Grape: Aprendiz de Sonhador. Sua atuação foi marcada por uma autenticidade comovente, capturando as nuances emocionais e físicas do personagem com uma maturidade surpreendente para sua idade.

Era o tipo de performance que anunciava o surgimento de um talento prodigioso, e muitos acreditam que, em outro ano, DiCaprio teria levado o prêmio.

John Malkovich, por sua vez, trouxe uma intensidade diabólica ao seu papel como o assassino Mitch Leary em Na Linha de Fogo, combinando charme e ameaça em uma atuação que mantinha o público à beira do assento.

Pete Postlethwaite, em Em Nome do Pai, ofereceu uma performance cheia de coração e humor, interpretando Giuseppe Conlon com uma humanidade que ressoava profundamente.

Mas, entre todos, Ralph Fiennes se destacou de maneira avassaladora como Amon Göth em A Lista de Schindler. Sua interpretação do cruel comandante nazista foi tão visceral que uma sobrevivente do Holocausto, ao vê-lo caracterizado, desabou, impressionada com a semelhança física e emocional com o verdadeiro Göth.

Fiennes conseguiu um feito raro: tornar um vilão desprezível ao mesmo tempo hipnotizante e humano, sem jamais romantizá-lo. Cada gesto, cada olhar, transmitia a frieza e a complexidade de um monstro real, deixando o público com arrepios.

Sua atuação não era apenas tecnicamente perfeita; era uma imersão total, uma performance que desafiava os limites do que significa atuar. No entanto, o Oscar foi para Tommy Lee Jones por seu papel como o obstinado agente Samuel Gerard em O Fugitivo.

Jones entregou uma atuação sólida, carismática e divertida, com falas memoráveis que entraram para a cultura pop, como “Eu não me importo!”. Mas, comparada à profundidade de Fiennes ou à vulnerabilidade de DiCaprio, sua performance parece menos impactante.

No máximo, Jones poderia ser considerado o terceiro colocado, atrás de Fiennes e DiCaprio. A vitória de Jones, embora não desmerecida, reflete uma tendência da Academia de favorecer atuações carismáticas em filmes populares sobre performances mais ousadas ou emocionalmente exigentes.

Outros Atores Injustiçados

O caso de Ralph Fiennes em 1994 não é isolado. Muitos atores e atrizes, ao longo da história do Oscar, foram “impedidos” de receber a estatueta, seja por decisões questionáveis da Academia, seja por nunca terem sido indicados apesar de carreiras brilhantes.

Por exemplo, Glenn Close, uma das atrizes mais respeitadas de sua geração, foi indicada oito vezes (até 2025) sem nunca vencer, com atuações memoráveis em filmes como Atração Fatal (1987) e Ligações Perigosas (1988).

Sua versatilidade e consistência a tornam um exemplo clássico de alguém que merecia reconhecimento maior. Da mesma forma, Amy Adams, com seis indicações até 2025, incluindo por Dúvida (2008) e O Vencedor (2010), continua sem um Oscar, apesar de suas atuações serem frequentemente elogiadas pela crítica.

Outro caso notável é o de Willem Dafoe, que, apesar de quatro indicações, incluindo por Platoon (1986) e A Sombra do Vampiro (2000), nunca venceu, mesmo com uma carreira marcada por papéis intensos e transformadores.

Entre os que nunca foram sequer indicados, destacam-se nomes como Jim Carrey, cuja performance dramática em O Show de Truman (1998) e Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (2004) foi amplamente aclamada, mas ignorada pela Academia, possivelmente por seu histórico em comédias.

Da mesma forma, Donald Sutherland, com uma carreira de décadas e papéis icônicos em filmes como MASH (1970) e Jogos Vorazes (2012-2015), nunca recebeu uma indicação, uma omissão que muitos consideram injusta.

Os Acontecimentos e o Contexto de 1994

A decisão de premiar Tommy Lee Jones em 1994 deve ser entendida no contexto da época. O Fugitivo foi um grande sucesso de bilheteria, um thriller de ação que conquistou o público com sua narrativa acelerada e o carisma de Jones.

A Academia, muitas vezes influenciada por fatores como popularidade e campanhas de estúdio, pode ter visto em Jones uma escolha mais acessível e menos controversa do que Fiennes, cujo papel em A Lista de Schindler lidava com temas pesados do Holocausto.

Além disso, 1994 foi um ano marcado por eventos culturais e políticos que influenciaram o clima da premiação. O impacto de A Lista de Schindler, dirigido por Steven Spielberg, foi monumental, mas a Academia pode ter optado por distribuir os prêmios entre diferentes filmes, premiando O Fugitivo em categorias como Melhor Ator Coadjuvante para equilibrar o reconhecimento.

Fora do cinema, 1994 foi um ano de acontecimentos marcantes que moldaram o zeitgeist. Nos Estados Unidos, o julgamento de O.J. Simpson começava a dominar as manchetes, enquanto globalmente o mundo testemunhava eventos como o genocídio em Ruanda e a eleição de Nelson Mandela na África do Sul.

Esses acontecimentos reforçavam a relevância de filmes como A Lista de Schindler, que abordava temas de justiça, humanidade e memória histórica. A atuação de Fiennes, ao retratar um dos períodos mais sombrios da história, ressoava com essas questões, o que torna sua derrota ainda mais frustrante para muitos.

Por que essas “injustiças” acontecem?

As decisões da Academia são frequentemente influenciadas por fatores além do mérito artístico. Campanhas de estúdio, popularidade do filme, política interna da Academia e até mesmo o “momento” cultural de um ator podem pesar mais do que a qualidade da atuação.

No caso de Fiennes, sua performance era tão intensa e perturbadora que pode ter sido difícil para alguns votantes premiá-la, especialmente em comparação com a acessibilidade de Jones.

Para atores como Close, Adams e outros, a falta de um Oscar muitas vezes reflete a concorrência acirrada em seus anos de indicação ou preconceitos da Academia contra certos gêneros, como comédia ou ficção científica.

Conclusão

A vitória de Tommy Lee Jones em 1994, embora celebrada por muitos, é um exemplo de como o Oscar nem sempre coroa a atuação mais impactante. Ralph Fiennes, com sua performance arrepiante em A Lista de Schindler, foi, para muitos, o verdadeiro merecedor do prêmio, ao lado de um jovem Leonardo DiCaprio, que já demonstrava seu talento excepcional.

A história do Oscar está repleta de casos semelhantes, onde atores como Glenn Close, Amy Adams, Willem Dafoe e outros foram preteridos, seja por decisões questionáveis, seja por nunca terem recebido a indicação que mereciam.

Esses momentos nos lembram que, embora o Oscar seja um símbolo de prestígio, ele não define o valor de uma carreira ou o impacto de uma atuação. O legado de artistas como Fiennes, que continuam a inspirar e emocionar, transcende qualquer estatueta.

Read More

A Senha Swordfish - John Travolta

 

A Senha: Swordfish - Um Thriller Tecnológico de Ação e Intriga

A Senha: Swordfish (Swordfish, 2001) é um filme norte-americano de suspense e ação, dirigido por Dominic Sena e estrelado por um elenco de peso: John Travolta como Gabriel Shear, Hugh Jackman como Stanley Jobson, Halle Berry como Ginger Knowles e Don Cheadle como o Agente J.T. Roberts.

Lançado no auge do boom dos filmes sobre hackers e ciberespaço, o longa combina ação explosiva, intriga tecnológica e reviravoltas narrativas, explorando o submundo digital e os dilemas éticos de seus personagens.

Enredo

O filme gira em torno de Gabriel Shear (John Travolta), um carismático e perigoso espião que opera à margem da lei. Sua missão é financiar operações antiterroristas para proteger o “estilo de vida americano”, mas seus métodos são controversos.

Para isso, ele planeja roubar US$ 9,5 bilhões em fundos governamentais ilegais, originados de uma operação antidrogas da DEA em 1986. Esses fundos, inicialmente US$ 400 milhões, foram acumulados em uma conta secreta e, com juros, atingiram a cifra bilionária ao longo de 15 anos.

Para executar o roubo, Gabriel precisa de Stanley Jobson (Hugh Jackman), um dos melhores hackers do mundo, que vive uma vida precária após cumprir pena por invasões cibernéticas contra o FBI.

Proibido legalmente de se aproximar de eletrônicos, Stanley mora em um trailer decadente, está sem dinheiro e afastado de sua filha, Holly (Camryn Grimes), cuja guarda perdeu para a ex-mulher, agora casada com um produtor de filmes pornográficos.

A proposta de Gabriel, intermediada pela sedutora Ginger Knowles (Halle Berry), é irrecusável: US$ 100 mil apenas para “conversar” e, caso aceite o trabalho, US$ 10 milhões para invadir os sistemas de segurança mais avançados do mundo.

No entanto, Stanley logo percebe que está preso em uma teia de manipulações. O que parece um simples golpe tecnológico revela-se um jogo de aparências, traições e interesses ocultos.

Gabriel não é quem diz ser, e suas verdadeiras intenções permanecem ambíguas até o final. O filme explora o ciberespaço como um mundo invisível, protegido por firewalls, senhas e sistemas de criptografia, onde segredos governamentais, informações incriminadoras e fortunas estão em jogo.

Detalhes do Enredo e Acontecimentos

Swordfish começa com uma cena icônica em que Gabriel Shear, em um monólogo direto ao espectador, reflete sobre a qualidade dos filmes de Hollywood, estabelecendo seu caráter cínico e carismático.

A narrativa então retrocede para mostrar como Stanley é recrutado. A oferta de Ginger vem acompanhada de uma demonstração de poder: Gabriel força Stanley a hackear um sistema do Departamento de Defesa em 60 segundos, sob a mira de uma arma, em uma das cenas mais memoráveis do filme.

O plano de Gabriel envolve invadir um banco utilizando um “worm” (programa malicioso) criado por Stanley, capaz de desviar os fundos para contas offshore. No entanto, o roubo é apenas a ponta do iceberg.

Conforme a trama avança, reviravoltas revelam que Gabriel pode estar trabalhando para uma organização secreta, e sua luta contra o terrorismo global mistura patriotismo com métodos criminosos.

O filme culmina em sequências de ação intensas, incluindo explosões, tiroteios e uma perseguição de tirar o fôlego envolvendo um ônibus suspenso por um helicóptero - uma das cenas mais exageradas e criticadas do longa.

Além disso, a relação entre Stanley e sua filha Holly adiciona uma camada emocional à história. Sua motivação para aceitar o trabalho é recuperar a guarda da filha, mas ele precisa navegar pelas manipulações de Gabriel e Ginger, além de enfrentar o Agente J.T. Roberts (Don Cheadle), que está em sua cola para impedir o roubo.

Contexto de Produção

Lançado em 2001, Swordfish reflete o fascínio da época pelo universo dos hackers, impulsionado por filmes como Matrix (1999) e Hackers (1995). A internet ainda era vista como um território misterioso, e o filme capitaliza essa percepção, retratando o ciberespaço como um campo de batalha invisível.

A direção de Dominic Sena, conhecido por 60 Segundos (2000), prioriza o estilo visual, com cenas de ação estilizadas e uma trilha sonora pulsante, mas a trama foi criticada por sacrificar lógica em favor do espetáculo.

O filme também gerou controvérsia por uma cena em que Halle Berry aparece topless, algo que a atriz revelou ter recebido um bônus para filmar, levantando debates sobre objetificação em Hollywood. John Travolta, no auge de sua carreira pós-Pulp Fiction, entrega uma performance carismática como o vilão ambíguo, enquanto Hugh Jackman, ainda no início de sua ascensão (antes de X-Men consolidá-lo), mostra versatilidade como o hacker vulnerável.

Recepção Crítica

Swordfish recebeu críticas mistas, com uma aprovação de apenas 23% no Rotten Tomatoes, baseada em 136 resenhas. O consenso do site aponta que o filme “é grande em explosões, mas fraco em enredo e lógica”, destacando que as cenas de hackers digitando em computadores não são visualmente empolgantes.

A audiência, no entanto, foi mais receptiva, com 61% de aprovação, provavelmente atraída pelas sequências de ação e pelo carisma do elenco. Os críticos elogiaram o ritmo acelerado e a química entre os atores, mas criticaram os furos no roteiro, como a falta de clareza sobre as motivações de Gabriel e a implausibilidade de algumas reviravoltas.

O filme também foi acusado de glorificar a cultura hacker de forma superficial, sem explorar a complexidade técnica do ciberespaço. Apesar disso, Swordfish conquistou um status de “clássico cult” para fãs de thrillers de ação dos anos 2000.

Impacto e Legado

Embora não tenha sido um grande sucesso de bilheteria, arrecadando cerca de US$ 147 milhões mundialmente contra um orçamento de US$ 102 milhões, Swordfish marcou época por sua estética e por abordar temas como vigilância digital e ética na tecnologia, que continuam relevantes.

O filme também ajudou a consolidar Hugh Jackman como uma estrela em ascensão e destacou Halle Berry em um papel de destaque, pouco antes de sua vitória no Oscar por Monster’s Ball (2001).

Conclusão

A Senha: Swordfish é um thriller tecnológico que combina ação explosiva, intriga digital e um elenco estelar, mas peca por sua narrativa inconsistente e excessos estilísticos. Ainda assim, sua abordagem do ciberespaço como um mundo de segredos e perigos ressoa em uma era de crescente dependência tecnológica.

Para os fãs de ação e suspense, o filme oferece entretenimento puro, impulsionado pelo carisma de John Travolta e pela vulnerabilidade de Hugh Jackman, mas deixa a desejar para quem busca profundidade ou realismo.

Read More

Gloria, a Mulher - Um Filme de Drama

 

Gloria, a Mulher - Um Filme de Drama e Suspense

Gloria, a Mulher (título original: Gloria) é um filme norte-americano de 1999, dos gêneros drama, suspense e crime, com duração de 108 minutos. Dirigido pelo renomado Sidney Lumet, o longa é uma refilmagem do clássico de 1980 de John Cassavetes.

O elenco principal é composto por Sharon Stone (Gloria Swenson), Jeremy Northam (Kevin), George C. Scott (Ruby), Jean-Luke Figueroa (Nicky), Mike Starr (Sean) e Sarita Choudhury (Ângela), com participações de Bonnie Bedelia e Cathy Moriarty.

Apesar da direção competente e do elenco estelar, o filme não alcançou o mesmo impacto da obra original, recebendo críticas mistas e desempenho fraco nas bilheterias.

Enredo

Gloria Swenson é uma mulher experiente nas ruas de Nova York, acostumada a viver de pequenos golpes e imersa no submundo do crime como ex-namorada de Kevin, um gângster.

Após cumprir três anos de prisão para proteger Kevin, ela retorna à cidade em busca da recompensa prometida, mas é recebida com desprezo e traição. Em meio a esse confronto, Gloria se depara com Nicky, um menino de sete anos cuja família foi brutalmente assassinada pela máfia por ordem de Kevin.

O motivo? O pai de Nicky, contador da organização, criou um disquete contendo informações comprometedoras sobre as atividades criminosas da gangue.

Relutante no início, Gloria decide proteger Nicky, que carrega o disquete, tornando-se alvo tanto da máfia quanto da polícia, que a considera suspeita de sequestro.

A dupla foge pelas ruas de Nova York, enfrentando perseguições, tiroteios e momentos de tensão. Apesar de sua fachada durona e da declaração inicial de que “não gosta de crianças”, Gloria desenvolve uma relação complexa com Nicky, marcada por afeto, cumplicidade e conflitos.

O menino, órfão e precoce, desafia Gloria com sua inteligência e teimosia, enquanto ela arrisca tudo para mantê-lo vivo. Ao longo da jornada, Gloria enfrenta dilemas morais: entregar o disquete à máfia para salvar a própria pele ou continuar protegendo Nicky, mesmo sabendo que ele pode ser uma ameaça constante devido ao que sabe.

Em um desfecho emocionante, Gloria deixa Nicky em uma instituição religiosa que cuida de crianças órfãs, planejando partir sem se despedir. No entanto, incapaz de abandonar o menino com quem criou um vínculo, ela retorna, leva-o consigo e decide assumir sua proteção, sugerindo um novo começo para ambos.

Contexto e Produção

Gloria, a Mulher é uma reimaginação do filme Gloria (1980), escrito e dirigido por John Cassavetes, que conquistou o Leão de Ouro no Festival de Veneza e uma indicação ao Oscar para Gena Rowlands, intérprete da protagonista.

A versão de 1999, com roteiro de Steve Antin, buscava modernizar a história, mas enfrentou desafios para replicar a intensidade emocional e o estilo cru do original. Sidney Lumet, conhecido por clássicos como Um Dia de Cão (1975) e Rede de Intrigas (1976), trouxe sua experiência em retratar a Nova York urbana e personagens complexos, mas o filme foi criticado por carecer da autenticidade e da química entre os protagonistas que marcaram a obra de Cassavetes.

A escolha de Sharon Stone para o papel principal veio após seu sucesso em filmes como Instinto Selvagem (1992), mas sua interpretação foi alvo de críticas, com muitos apontando que ela não alcançou a profundidade de Gena Rowlands. Jean-Luke Figueroa, com apenas seis anos, enfrentou um papel desafiador como Nicky, mas sua atuação foi considerada irregular, em parte devido à inexperiência.

George C. Scott, em seu último papel no cinema, trouxe peso à figura do chefe da máfia, mas seu tempo de tela foi limitado. A produção, iniciada em setembro de 1997, teve um orçamento de US$ 30 milhões, mas arrecadou apenas US$ 4,9 milhões mundialmente, sendo um fracasso comercial.

Temas e Relevância

O filme explora temas como redenção, maternidade não convencional e o peso das escolhas morais em um mundo violento. Gloria, inicialmente movida por interesses próprios, encontra em Nicky uma chance de reparar seu passado e descobrir uma faceta mais humana.

A relação entre os dois, marcada por atritos e momentos de ternura, reflete a ideia de que laços familiares podem surgir em circunstâncias improváveis. O longa também retrata a Nova York dos anos 1990 como um cenário de contrastes, com sua energia vibrante e perigos à espreita, embora alguns críticos tenham notado que o filme carece do senso de lugar tão marcante no original.

Apesar de suas falhas, Gloria, a Mulher oferece momentos de suspense eficazes, como perseguições de carro e confrontos com a máfia, além de uma trilha sonora envolvente composta por Howard Shore.

A atuação de Sharon Stone, embora criticada, tem defensores que destacam sua entrega em cenas de ação e nos momentos de vulnerabilidade. Lawrence Van Gelder, do The New York Times, elogiou o filme como “mais suave, engraçado e suspenseful” que o original, considerando a performance de Stone um destaque.

Recepção e Legado

No agregador de críticas Rotten Tomatoes, Gloria, a Mulher tem apenas 14% de aprovação com base em 29 resenhas, com uma nota média de 4,2/10, refletindo a percepção de que o filme não honrou o legado de Cassavetes.

Críticos como Owen Gleiberman (Entertainment Weekly) e Peter Travers (Rolling Stone) classificaram-no como uma “má ideia” e um dos piores filmes de 1999, destacando a falta de conexão emocional entre Stone e Figueroa.

Stephen Hunter (The Washington Post) criticou a atuação de Stone, comparando-a desfavoravelmente a “velociraptors animatrônicos”. Por outro lado, alguns espectadores apreciaram o filme como entretenimento leve, valorizando as sequências de ação e a tentativa de atualizar a história.

O filme também rendeu a Sharon Stone uma indicação ao Framboesa de Ouro de Pior Atriz, refletindo o tom negativo da recepção. Comparado ao original, que mantém 91% de aprovação no Rotten Tomatoes e é elogiado pela direção visceral de Cassavetes e pela atuação icônica de Rowlands, a refilmagem de 1999 ficou à sombra de seu antecessor.

Curiosidades e Acontecimentos

Inspiração e Remakes: A história de Gloria influenciou outros filmes, como Léon: O Profissional (1994), de Luc Besson, e Julia (2008), de Erick Zonca. Após 1999, novas tentativas de remake surgiram, incluindo um projeto de Paul Schrader com Lindsay Lohan em 2013, que não se concretizou, e Proud Mary (2018), com Taraji P. Henson, uma adaptação mais livre.

Mudanças na Direção: Scott Kalvert foi inicialmente escalado para dirigir, mas abandonou o projeto, sendo substituído por Lumet em julho de 1997.

Contexto Histórico: O filme reflete a Nova York do final dos anos 1990, uma cidade em transição após décadas de alta criminalidade. A máfia, embora ainda presente, estava em declínio devido à repressão policial, o que dá ao enredo um tom nostálgico dos clássicos de gângsteres.

Participação de George C. Scott: Sua atuação como Ruby, o chefe da máfia, foi seu último trabalho no cinema antes de sua morte em 1999, marcando o fim de uma carreira lendária.

Conclusão

Gloria, a Mulher é um filme que, apesar de suas ambições e do talento envolvido, não conseguiu recapturar a magia do original de 1980. A direção de Sidney Lumet e o carisma de Sharon Stone oferecem momentos de entretenimento, mas a falta de profundidade emocional e a química limitada entre os protagonistas impediram que o longa se destacasse.

Ainda assim, a história de Gloria e Nicky ressoa como um conto de redenção e coragem, ecoando questões universais sobre sacrifício e conexão humana. Para fãs de suspense e drama, o filme pode ser uma curiosidade interessante, especialmente quando visto em contraste com a obra-prima de Cassavetes.

Read More