Cazumbis

Sorrisos de plástico, estampados em rostos que desaprenderam a sentir. Vivemos em hierarquias de fast-food, onde o tempo reina absoluto, e as pessoas, reduzidas a engrenagens, giram sem questionar.

Nos bolsos, carregamos uma inteligência artificial que sussurra promessas de um futuro brilhante, mas nos acorrenta a telas que refletem um presente oco, desprovido de alma.

Dizemos "te amo" como quem aperta um botão, sem deixar o coração sangrar. Murmuramos "sinto muito" enquanto a alma boceja, indiferente. Desejamos "seja feliz" como quem joga moedas ao vento, e lançamos um "bom dia" sem saber se a manhã é feita de luz ou apenas de sombras.

Vivemos enfileirados, correndo para lugar nenhum. Compramos sonhos embrulhados em propagandas coloridas, trocamos afetos por curtidas efêmeras, medimos o valor de uma vida por números que piscam em aplicativos.

Não raciocinamos - engolimos. Não questionamos - obedecemos. Seguimos scripts escritos por mãos invisíveis, enquanto o mundo, lá fora, geme sob o peso da ganância, da pressa, do descaso.

As florestas tombam, os rios secam, os céus se enchem de fumaça. E nós? Trocamos filtros de selfie por aplausos virtuais, anestesiados por luzes artificiais que nos cegam para a realidade.

O Contexto do Caos

Nos últimos anos, o planeta tem gritado por socorro. Em 2023, o Brasil testemunhou enchentes devastadoras no Rio Grande do Sul, que deslocaram milhares de pessoas e expuseram a fragilidade de nossas infraestruturas diante das mudanças climáticas.

Na Amazônia, o desmatamento, embora reduzido em algumas áreas, continua a engolir hectares de floresta, enquanto comunidades indígenas lutam para proteger suas terras de invasores movidos pela cobiça.

No mundo, eventos extremos - ondas de calor na Europa, incêndios na Austrália, secas na África - escancaram que o tempo de ignorar o colapso ambiental acabou. Mas, enquanto a Terra range, muitos seguem hipnotizados por telas, compartilhando memes enquanto o futuro queima.

As redes sociais, que prometiam conectar, fragmentam. Em 2025, estudos apontam que o tempo médio diário gasto em plataformas digitais ultrapassa 7 horas para muitos jovens, um reflexo da nossa dependência de validação virtual.

Movimentos como o #DigitalDetox ganham força em resposta, com pessoas tentando reconquistar o tempo perdido, mas a corrente é forte. Algoritmos ditam o que vemos, o que pensamos, até o que sentimos.

Nesse cenário, as palavras perdem peso: um "te amo" vira emoji, um "sinto muito" vira mensagem automática. E a empatia? Essa se dissolve em notificações.

A Dança dos Autômatos

Serão essas pessoas, hipnotizadas por luzes artificiais, que vão consertar o mundo? Serão elas, com seus corações adormecidos e suas vozes robotizadas, que vão tecer um planeta mais vivo, mais inteiro?

Duvido. São peças de um jogo que não compreendem, dançando ao som de uma música que não escolheram. Governos e corporações, em nome do lucro, alimentam a máquina: produzem mais plástico, mais gadgets, mais promessas vazias de progresso.

Em 2024, a ONU alertou que a produção global de plástico deve triplicar até 2060 se nada mudar, sufocando oceanos e vidas. Enquanto isso, influenciadores vendem "sustentabilidade" em posts patrocinados, e o ciclo de hipocrisia continua.

E, no entanto, entre as rachaduras desse asfalto cinzento, brota uma semente teimosa. Há quem pare. Há quem olhe. Há quem sinta. Em pequenos atos de resistência, pessoas pelo mundo começam a despertar.

No Brasil, movimentos como o Fridays for Future mobilizam jovens para exigir ações climáticas concretas. Comunidades locais, de vilarejos na Puglia a favelas em São Paulo, reinventam formas de viver com menos, de cuidar com mais.

Alguém decide que o peso de um "te amo" verdadeiro vale mais que mil palavras vazias. Alguém escolhe ouvir o silêncio do mundo e, nele, encontrar sentido.

Um Chamado à Coragem

E se fossemos nós? E se, por um instante, silenciássemos as notificações, quebrássemos os espelhos do ego e ousássemos criar? Não um mundo de plástico, mas um feito de raízes, de mãos entrelaçadas, de verdades que doem e curam.

Imagine um movimento global onde cada pessoa dedica um dia - apenas um - para desconectar, refletir, plantar uma árvore, ouvir um estranho, reconstruir laços. Em 2025, iniciativas como o Earth Hour e o World Cleanup Day mostram que pequenas ações coletivas podem gerar impacto. Mas é preciso mais: coragem para questionar, para sentir, para mudar.

O relógio não para, mas nós podemos. Podemos escolher ouvir o canto dos pássaros sobre o barulho das notificações. Podemos decidir que o valor de uma vida não se mede em likes, mas em olhares trocados, em mãos que constroem, em silêncios que falam.

E, quem sabe, nesse instante, o futuro mude de cor - do cinza do asfalto para o verde de uma semente que insiste em crescer.

(Francisco Silva Sousa) – Foto: Pixabay

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Polignano a Mare

 

Polignano a Mare é uma encantadora cidade italiana com 17.797 habitantes (segundo dados mais recentes), localizada na província de Bari, na região da Puglia, no sul da Itália.

Situada a cerca de 33 km ao sul da capital Bari, a cidade é conhecida por sua posição pitoresca, com o núcleo histórico erguido sobre um impressionante complexo rochoso que se projeta sobre o mar Adriático.

Em dialeto barês, Polignano a Mare é carinhosamente chamada de Peghegnéne, um nome que reflete a identidade cultural local.

Economia e Cultura

A economia de Polignano a Mare é impulsionada principalmente pelo turismo, pela agricultura e pela pesca. A cidade atrai visitantes de todo o mundo devido à sua beleza natural, com falésias dramáticas, águas cristalinas e uma atmosfera mediterrânea autêntica.

A agricultura local destaca-se pela produção de azeite de oliva, amêndoas e cerejas, enquanto a pesca artesanal ainda desempenha um papel importante na identidade da cidade.

As grotas marítimas, como a famosa Grotta Palazzese, são de grande interesse ecológico e turístico, sendo uma das cavernas mais conhecidas, abrigando até um restaurante de renome internacional.

O centro histórico de Polignano a Mare é um labirinto de vielas estreitas, casinhas brancas e praças charmosas, que preservam a história e a cultura da região.

Entre os vestígios históricos, destaca-se a influência romana, com a bem-conservada ponte da Via Traiana, que atravessa a Lama Monachile, uma enseada icônica que corta o coração da cidade. Essa ponte, ainda transitável, é um testemunho da engenhosidade romana e um marco histórico de grande relevância.

Reconhecimento Ambiental

Desde 2008, Polignano a Mare tem sido consistentemente agraciada com a Bandiera Blu (Bandeira Azul), um prestigiado reconhecimento concedido pela Foundation for Environmental Education (FEE) às localidades costeiras europeias que cumprem rigorosos critérios de qualidade ambiental.

Esses critérios incluem a pureza das águas balneáveis, a gestão sustentável do litoral, a limpeza das praias e a oferta de serviços de qualidade em marinas.

Esse título reforça o compromisso da cidade com a preservação de seu ambiente natural, tornando-a um destino ainda mais atraente para turistas preocupados com sustentabilidade.

Eventos e Acontecimentos

Polignano a Mare é palco de eventos que atraem visitantes de diversas partes do mundo. Um dos mais famosos é o Red Bull Cliff Diving World Series, um campeonato internacional de salto em penhascos realizado anualmente nas falésias da cidade.

Atletas saltam de alturas impressionantes, mergulhando nas águas cristalinas do Adriático, proporcionando um espetáculo visual que combina adrenalina e a beleza natural do local.

Além disso, a cidade sedia festivais culturais e gastronômicos, como a Festa di San Vito, que celebra o padroeiro da cidade com procissões, música e eventos comunitários, geralmente em junho. Esses eventos destacam a rica tradição religiosa e cultural de Polignano.

Conexões e Personalidades

Polignano a Mare é a cidade natal de figuras notáveis, como o lendário cantor e compositor Domenico Modugno, famoso pela canção “Nel blu dipinto di blu” (conhecida como Volare), considerada um hino da música italiana.

A cidade presta homenagem a Modugno com uma estátua à beira-mar e eventos culturais em sua memória. Outro filho ilustre é o jornalista esportivo Tommaso Mazzoni, que se radicou em São Paulo, Brasil, onde deixou sua marca no jornalismo.

A cidade também mantém laços culturais com o Brasil, especialmente com o bairro do Brás, em São Paulo, onde San Vito, padroeiro de Polignano a Mare, também é venerado. Essa conexão reforça os laços entre as comunidades italiana e brasileira, com celebrações em homenagem ao santo que unem as duas culturas.

Geografia e Proximidades

Polignano a Mare faz fronteira com os municípios de Castellana Grotte, Conversano, Mola di Bari e Monopoli, todos na província de Bari. A proximidade com outras cidades pitorescas da Puglia, como Alberobello e Ostuni, faz de Polignano um ponto estratégico para explorar a região, conhecida por seus trulli, olivais e litoral deslumbrante.

Atrações Adicionais

Além da Lama Monachile e da Grotta Palazzese, Polignano a Mare oferece outras atrações, como a Igreja Matriz de Santa Maria Assunta, localizada no coração do centro histórico, que abriga obras de arte sacra e uma arquitetura que reflete séculos de história.

As praias da cidade, como Cala Porto, são pequenas, mas extremamente pitorescas, com águas cristalinas que convidam ao mergulho e à contemplação.

Conclusão

Polignano a Mare é muito mais do que uma cidade costeira; é um destino que combina história, cultura, beleza natural e sustentabilidade. Seja pelas suas falésias dramáticas, suas grotas encantadoras, seus eventos vibrantes ou sua rica herança cultural, a cidade continua a cativar visitantes e a preservar sua essência como uma joia da Puglia.

Para quem busca uma experiência autêntica no sul da Itália, Polignano a Mare é um lugar que une o passado ao presente de forma inesquecível.

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Władysław Szpilman - O Pianista Polonês sobrevivente do Nazismo

Władysław Szpilman: O Pianista Polonês Sobrevivente do Holocausto

Władysław Szpilman, um dos mais notáveis pianistas e compositores poloneses do século XX, nasceu em 5 de dezembro de 1911, na cidade de Sosnowiec, na Polônia, em uma família de origem judaica.

Desde cedo, demonstrou talento excepcional para a música, estudando piano na prestigiada Academia de Música de Varsóvia e, posteriormente, na Academia de Artes de Berlim, onde aprimorou sua técnica e sensibilidade artística.

De volta a Varsóvia, Szpilman construiu uma carreira promissora, trabalhando como pianista na Rádio Polonesa, onde interpretava peças clássicas e composições próprias.

Foi nesse ambiente que conheceu diversos artistas, incluindo uma cantora e seu marido, um ator, que mais tarde desempenhariam um papel crucial em sua sobrevivência durante a Segunda Guerra Mundial.

Em 1º de setembro de 1939, a Alemanha Nazista invadiu a Polônia, desencadeando a guerra que mudaria para sempre a vida de Szpilman e de milhões de outros. A emissora de rádio onde ele trabalhava foi bombardeada, interrompendo abruptamente sua carreira.

Com a ocupação alemã, leis antissemitas foram impostas, e, em 1940, Szpilman e sua família - pais, irmão e duas irmãs - foram forçados a se mudar para o Gueto de Varsóvia, um bairro superlotado e isolado onde cerca de 400 mil judeus foram confinados em condições desumanas.

Apesar das adversidades, Szpilman continuou a exercer sua arte, tocando piano em cafés e restaurantes do gueto, como o Café Nowoczesna, para sustentar a família e manter viva sua paixão pela música.

Sua habilidade como pianista o tornou uma figura conhecida no gueto, mas a vida ali era marcada por fome, doenças e a constante ameaça de violência. Em 1942, a situação no gueto tornou-se ainda mais desesperadora com o início das deportações em massa para o campo de extermínio de Treblinka.

A família de Szpilman foi enviada para a Umschlagplatz, a praça de onde partiam os trens para os campos de concentração. Em um momento de desespero, Władysław foi separado de seus familiares por um policial judeu que o reconheceu como pianista e o retirou da fila, salvando sua vida, mas condenando-o à angústia de nunca mais ver seus pais, irmão e irmãs.

A partir desse ponto, Szpilman passou a viver como fugitivo, contando com a ajuda de amigos não judeus, incluindo a cantora e o ator que conhecera na rádio, que o abrigaram em esconderijos na parte "ariana" de Varsóvia.

A vida em esconderijos era marcada pelo medo constante de ser descoberto. Szpilman trocava de refúgio frequentemente, vivendo em apartamentos abandonados ou secretos, muitas vezes sem comida ou aquecimento.

Em 1943, durante a Revolta do Gueto de Varsóvia, ele testemunhou, de longe, a destruição do bairro onde crescera. Mais tarde, em 1944, com a Revolta de Varsóvia, a cidade inteira foi reduzida a escombros, e Szpilman sobreviveu em prédios devastados, enfrentando frio, fome e solidão.

Um dos momentos mais emblemáticos de sua história ocorreu no inverno de 1944, quando ele foi descoberto por Wilm Hosenfeld, um oficial alemão. Em vez de denunciá-lo, Hosenfeld, impressionado ao ouvir Szpilman tocar Chopin em um piano em ruínas, decidiu ajudá-lo, fornecendo comida e um abrigo improvisado até a libertação de Varsóvia pelo Exército Vermelho em janeiro de 1945.

Após o fim da guerra, Szpilman canalizou suas experiências em um relato comovente de sua sobrevivência, publicado em 1946 na Polônia com o título Śmierć Miasta (Morte de uma Cidade). O livro, escrito com uma narrativa crua e honesta, descrevia não apenas sua luta pessoal, mas também o sofrimento coletivo dos judeus e a devastação de Varsóvia.

No entanto, as autoridades comunistas polonesas, que assumiram o poder após a guerra, censuraram a obra por considerá-la politicamente inconveniente, especialmente por destacar a ajuda de um oficial alemão e por não se alinhar à narrativa oficial do regime.

Como resultado, a tiragem foi limitada, e o livro caiu no esquecimento por décadas. Somente em 1998, graças ao esforço de seu filho, Andrzej Szpilman, as memórias foram republicadas com o título O Pianista (The Pianist), alcançando sucesso mundial.

Traduzido para dezenas de idiomas, o livro tocou leitores com sua história de resiliência, humanidade e o poder transformador da música. A obra inspirou a canção El Pianista del Gueto de Varsovia, do cantor uruguaio Jorge Drexler, incluída no álbum Sea (2001), que reflete sobre a coragem de Szpilman.

Em 2002, o diretor Roman Polanski, ele próprio um sobrevivente do Holocausto, adaptou o livro para o cinema no filme O Pianista, com Adrien Brody no papel principal.

A atuação de Brody, que incluiu aprender a tocar piano para interpretar as cenas com autenticidade, rendeu-lhe o Oscar de Melhor Ator, e o filme recebeu aclamação internacional, conquistando também os prêmios de Melhor Diretor e Melhor Roteiro Adaptado.

Após a guerra, Szpilman retomou sua carreira musical com vigor, tornando-se um dos compositores mais prolíficos da Polônia. Ele voltou a trabalhar na Rádio Polonesa, compôs mais de 500 canções populares, música para filmes e peças orquestrais, além de continuar a se apresentar como pianista.

Sua obra reflete uma combinação de influências clássicas e populares, com letras muitas vezes marcadas por um senso de esperança e reconstrução. Szpilman também foi diretor musical da Rádio Polonesa por muitos anos, contribuindo para a revitalização cultural do país no pós-guerra.

Władysław Szpilman faleceu em 6 de julho de 2000, aos 88 anos, em Varsóvia, cidade que ele nunca abandonou, mesmo após tantos traumas. Foi sepultado no Cemitério Powązki, um dos mais importantes da Polônia, onde descansam figuras históricas do país.

Seu legado, porém, permanece vivo. Além de sua música, que continua a ser executada, sua história de sobrevivência é um testemunho da força do espírito humano e do papel da arte em tempos de escuridão.

O relato de Szpilman não apenas preserva a memória do Holocausto, mas também inspira gerações a refletir sobre coragem, compaixão e a capacidade de encontrar beleza mesmo nas circunstâncias mais adversas.

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Conhecimento

 

Era uma manhã aparentemente comum na pequena cidade quando um grupo de ladrões invadiu o Banco Central da Vila, uma instituição conhecida por sua fachada imponente e cofres abarrotados.

Um dos assaltantes, com a voz rouca e autoritária, bradou para todos no saguão: - Ninguém se mexa! O dinheiro pertence ao banco, mas suas vidas pertencem a vocês! Fiquem quietos e ninguém se machuca!

O silêncio tomou conta do ambiente. Clientes, caixas e seguranças, tomados pelo medo, obedeceram imediatamente, deitando-se no chão com as mãos na cabeça. A tensão era palpável, mas a frase do ladrão, quase filosófica, fez com que todos refletissem por um instante.

Era como se ele tivesse reprogramado a mente dos presentes, desviando o foco do pânico para a preservação da vida.

Isso se chama MUDANÇA DE MENTALIDADE.

No canto do saguão, uma mulher, talvez movida pelo nervosismo ou por uma confusão momentânea, gritou para o assaltante que liderava o grupo: - Meu amor, por favor, não seja cruel comigo!

O ladrão, sem perder o controle, respondeu com um misto de ironia e firmeza: - Calma, senhora, isso aqui é um assalto, não uma novela romântica! Comporte-se!

Os outros clientes abafaram risos nervosos, enquanto o assaltante mantinha o foco na operação, sem deixar que distrações comprometessem o plano.

Isso se chama PROFISSIONALISMO.

Enquanto os ladrões recolhiam sacos de dinheiro dos cofres, o mais jovem do grupo, empolgado com a adrenalina, virou-se para o líder, um homem mais velho com olhos astutos: - Ei, chefe, vamos contar quanto pegamos?

O líder, com a calma de quem já havia passado por muitas situações como aquela, retrucou: - Não seja ingênuo, garoto. É muito dinheiro pra contar agora. Vamos esperar o noticiário da noite. Eles vão dizer exatamente quanto o banco “perdeu”.

O jovem ficou confuso, mas obedeceu. A experiência do veterano sabia que a mídia, sempre ávida por números impactantes, faria o trabalho sujo de contabilizar o butim.

Isso se chama EXPERIÊNCIA.

Após a fuga dos assaltantes, com sirenes já ecoando ao longe, o supervisor do banco, ainda trêmulo, correu até o gerente e exclamou: - Precisamos chamar a polícia imediatamente e relatar o roubo!

O gerente, com um brilho calculista nos olhos, respondeu calmamente: - Calma, meu caro. Antes de chamar a polícia, vamos incluir no prejuízo aqueles “desfalques” que fizemos ao longo dos meses. Ninguém vai notar a diferença.

O supervisor, inicialmente surpreso, logo entendeu o plano. Com um aceno de cabeça, concordou em manipular os números para encobrir as fraudes internas.

Isso se chama GESTÃO ESTRATÉGICA.

No dia seguinte, os jornais estampavam manchetes sensacionalistas: “Banco Central da Vila perde R$ 80 milhões em assalto audacioso!”. Nos esconderijos, os ladrões, exaustos após contar o dinheiro, descobriram que haviam levado apenas R$ 10 milhões.

O líder, furioso, murmurou: - Arriscamos nossas vidas, enfrentamos a polícia, e tudo isso por R$ 10 milhões? Enquanto isso, o gerente do banco embolsou R$ 70 milhões sem suar uma gota!

Os assaltantes, apesar do sucesso do roubo, sentiram-se enganados. O gerente, com sua astúcia, havia transformado o assalto em uma cortina de fumaça perfeita para encobrir suas próprias fraudes.

Isso se chama CONHECIMENTO.

O gerente, por sua vez, estava radiante. Não apenas seus desfalques foram completamente apagados dos registros, mas o banco também foi ressarcido pela seguradora, que cobriu os supostos R$ 80 milhões de prejuízo.

A instituição saiu ilesa, os clientes continuaram confiando no sistema, e o gerente ainda foi elogiado por sua “gestão de crise”.

Isso se chama APROVEITAR AS OPORTUNIDADES.

E assim, enquanto os ladrões enfrentavam a fuga e o peso da lei, o gerente brindava com champagne em sua mansão, rindo da ironia: o verdadeiro crime perfeito não precisava de máscaras ou armas, apenas de um cargo de confiança e um pouco de criatividade.

Essa história, dizem, é um espelho do que muitos políticos fazem com o povo: transformam crises em oportunidades, desviam fortunas e saem como heróis, enquanto os outros pagam o preço.

Isso se chama A REALIDADE.

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Margaret Brown

 

Margaret Tobin Brown, mais conhecida como "Molly Brown" ou "A Inafundável Molly Brown", não foi apenas uma figura de alívio cômico no filme Titanic de 1997.

Ela foi uma mulher real, cuja coragem e determinação durante o naufrágio do RMS Titanic em 1912 a tornaram uma das sobreviventes mais célebres da tragédia. Sua história de vida é marcada por uma trajetória de superação, ativismo social e heroísmo, muito além do que foi retratado nas telas.

Nascida em 1867, em Hannibal, Missouri, Margaret veio de uma família humilde de origem irlandesa. Aos 18 anos, mudou-se para Leadville, no Colorado, em busca de uma vida melhor.

Lá, conheceu James Joseph Brown, um engenheiro de minas, com quem se casou em 1886. A fortuna do casal teve início quando James descobriu uma rica mina de ouro, transformando-os em milionários praticamente da noite para o dia.

Com a riqueza, Margaret e James ingressaram na alta sociedade de Denver, mas ela nunca esqueceu suas raízes humildes. Comprometida com causas sociais, Margaret tornou-se uma defensora incansável dos direitos das mulheres, das crianças e dos trabalhadores das minas do Colorado, além de apoiar iniciativas educacionais e filantrópicas.

Apaixonada por viagens e cultura, Margaret frequentava a Europa, com especial afeição pela França, onde estudava línguas, artes e se envolvia com movimentos progressistas.

Foi em uma dessas viagens que ela embarcou na fatídica travessia inaugural do Titanic, em abril de 1912, após receber a notícia de que seu neto estava doente nos Estados Unidos.

Viajando na primeira classe, Margaret estava a bordo do maior e mais luxuoso transatlântico da época, considerado "inafundável" pela imprensa. Na noite de 14 de abril de 1912, quando o Titanic colidiu com um iceberg no Atlântico Norte, Margaret demonstrou coragem extraordinária.

Após o impacto, ela ajudou a organizar a evacuação, auxiliando mulheres e crianças a embarcarem nos botes salva-vidas antes de ser convencida a entrar no bote nº 6.

Durante a evacuação, testemunhas relatam que Margaret insistiu para que mais pessoas fossem acomodadas nos botes, desafiando a desordem e o pânico que tomavam conta do navio.

No bote nº 6, que carregava cerca de 26 pessoas (muito abaixo de sua capacidade total), Margaret entrou em conflito com o quartel-mestre Robert Hichens, responsável pelo comando do bote.

Hichens, temendo que os náufragos desesperados na água pudessem virar o bote, recusou-se a voltar para resgatar mais sobreviventes. Margaret, determinada a salvar vidas, defendeu veementemente a ideia de retornar ao local do naufrágio, argumentando que era um dever moral ajudar aqueles que ainda lutavam para sobreviver nas águas geladas.

A tensão escalou, e relatos indicam que Hichens, sobrecarregado pelo frio e pelo estresse, acabou desmaiando ou cedendo à exaustão. Margaret, então, assumiu o comando do bote, organizando os remadores e liderando esforços para manter os ocupantes aquecidos e motivados.

Sua liderança foi crucial para a sobrevivência das 58 pessoas a bordo, incluindo cerca de 20 resgatadas das águas após sua intervenção. Após o resgate pelo RMS Carpathia, Margaret continuou a demonstrar sua força de caráter.

Ela organizou um comitê de sobreviventes para arrecadar fundos e oferecer apoio às vítimas, especialmente os passageiros da terceira classe, que perderam tudo no naufrágio.

Sua atuação incansável lhe rendeu o apelido de "Inafundável Molly Brown", uma homenagem à sua resiliência e coragem. Além disso, Margaret usou sua influência para pressionar por reformas na segurança marítima, incluindo a exigência de mais botes salva-vidas em navios.

Após o Titanic, Margaret continuou sua vida de ativismo. Durante a Primeira Guerra Mundial, ela trabalhou com a Cruz Vermelha na França, ajudando soldados feridos e refugiados. Sua dedicação às causas humanitárias e sua luta pelos direitos das mulheres a tornaram uma figura admirada, embora, por vezes, controversa na sociedade conservadora da época.

Margaret faleceu em 1932, em Nova York, deixando um legado de coragem, altruísmo e engajamento social. A história de Molly Brown vai muito além do naufrágio do Titanic.

Ela foi uma mulher à frente de seu tempo, que transformou adversidades em oportunidades para fazer a diferença. Sua vida é um testemunho de como determinação e empatia podem deixar uma marca indelével na história.

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Arte de Bernini

Não é carne, é mármore: a genialidade de Gian Lorenzo Bernini

A escultura O Rapto de Proserpina (1621-1622), de Gian Lorenzo Bernini, é um marco paradigmático na história da arte. A obra, criada quando Bernini tinha apenas 23 anos, exemplifica o auge do barroco italiano, com seu dinamismo, emoção e domínio técnico.

O detalhe da coxa de Proserpina, onde os dedos de Plutão parecem afundar na carne, ilustra uma habilidade quase sobrenatural de transformar mármore frio em texturas que evocam a suavidade e elasticidade da pele humana.

Essa escultura não é apenas uma demonstração de técnica, mas um testemunho da capacidade de Bernini de infundir vida, drama e narrativa em pedra, consolidando-o como um dos maiores escultores de todos os tempos.

Quem foi Gian Lorenzo Bernini?

Nascido em Nápoles, em 7 de dezembro de 1598, Gian Lorenzo Bernini foi o principal expoente do barroco italiano. Filho de Pietro Bernini, um escultor maneirista, ele herdou o talento paterno, mas o superou em originalidade e impacto.

Embora mais conhecido como escultor e arquiteto, Bernini também se destacou como pintor, desenhista, cenógrafo e criador de espetáculos pirotécnicos, mostrando uma versatilidade que o tornou uma figura central na Roma do século XVII.

Sua carreira foi moldada pela cidade eterna, onde trabalhou sob o patrocínio de papas e cardeais, deixando um legado que ainda hoje define a paisagem urbana de Roma e do Vaticano.

Entre suas contribuições arquitetônicas e escultóricas estão obras icônicas como a Praça de São Pedro, com sua monumental colunata que abraça os fiéis, a Capela Chigi, O Êxtase de Santa Teresa (1647-1652), uma das representações mais intensas da espiritualidade barroca, Habacuc e o Anjo (1655-1661) e fontes como a Fontana dei Quattro Fiumi, na Piazza Navona, que simbolizam o poder da Igreja e a grandiosidade de Roma.

Juventude e primeiros passos

Gian Lorenzo nasceu em uma família florentina, mas foi em Roma, para onde se mudou com o pai em 1606, que sua trajetória artística começou. Desde cedo, suas habilidades prodigiosas chamaram a atenção de figuras influentes, como o pintor Annibale Carracci e o Papa Paulo V.

Ainda adolescente, Bernini já trabalhava como artista independente, inspirando-se nas esculturas helenísticas e romanas que estudava minuciosamente nos acervos do Vaticano e de coleções privadas. Essa imersão na arte clássica moldou sua técnica, mas foi sua capacidade de reinterpretá-la com emoção e movimento que o destacou.

Maturação como mestre escultor

Sob o mecenato do cardeal Scipione Borghese, sobrinho do Papa Paulo V, Bernini consolidou sua reputação como escultor. Seus primeiros trabalhos para os jardins da Villa Borghese, como A Cabra Amalthea (1615) e Almas Danadas e Almas Abençoadas (1619), já revelavam um talento promissor, mas foi com as grandes encomendas da década de 1620 que ele alcançou a maturidade artística.

Enéas, Anquises e Ascânio (1619)

Esta escultura, inspirada em um afresco de Rafael e no poema épico Eneida de Virgílio, retrata três gerações de uma mesma família em fuga de Troia. A obra explora as "três idades do homem" - juventude, maturidade e velhice - com um dinamismo que reflete o papel do herói em transição. A composição, com suas linhas fluidas e interação entre as figuras, demonstra o domínio de Bernini em criar narrativas visuais complexas.

O Rapto de Proserpina (1621-1622)

Inspirada na mitologia romana, esta obra captura o momento em que Plutão, deus do submundo, sequestra Proserpina. Bernini, influenciado pela escultura O Rapto das Sabinas de Giambologna, vai além ao recriar a textura da pele com uma verossimilhança impressionante.

O contraste entre a força bruta de Plutão e a resistência desesperada de Proserpina confere à obra um drama visceral, típico do barroco, que busca envolver emocionalmente o espectador.

Apolo e Dafne (1622-1625)

Baseada nas Metamorfoses de Ovídio, está escultura retrata o instante em que a ninfa Dafne, perseguida por Apolo, começa a se transformar em um loureiro para escapar do deus. Bernini capta o movimento com uma fluidez quase cinematográfica: as pernas de Dafne se tornam raízes, seus dedos brotam como folhas, e sua expressão reflete pavor e transformação.

A obra é um tour de force técnico e narrativo, simbolizando o conflito entre desejo e castidade, um tema recorrente no barroco.

David (1623-1624)

Diferentemente do David de Michelangelo, que representa o herói em contemplação antes da batalha, o David de Bernini é puro movimento, capturado no instante em que ele se prepara para lançar a pedra contra Golias.

A tensão muscular, o torcer do corpo e a expressão de concentração fazem desta obra um marco do barroco, que privilegia o dinamismo e a ação em oposição à serenidade renascentista.

O impacto de Bernini no barroco e além

O trabalho de Bernini não se limitou a criar esculturas; ele transformou a maneira como a arte era percebida. Suas obras, carregadas de emoção e teatralidade, refletem os ideais do barroco: glorificar a fé católica, impressionar o público e transmitir narrativas complexas.

Como arquiteto, Bernini remodelou Roma, dando à cidade uma identidade visual que mesclava espiritualidade e grandiosidade. A Praça de São Pedro, por exemplo, não é apenas um espaço arquitetônico, mas uma experiência sensorial que conduz os visitantes ao coração da Igreja Católica.

Além disso, Bernini foi um mestre em integrar escultura, arquitetura e cenografia. Em O Êxtase de Santa Teresa, ele combina mármore, luz natural e elementos arquitetônicos para criar uma cena quase teatral, onde a mística religiosa ganha vida. Essa abordagem multissensorial influenciou gerações de artistas e arquitetos, consolidando Bernini como um precursor da arte total.

Legado e morte

Bernini faleceu em Roma, em 28 de novembro de 1680, deixando um legado que transcende o barroco. Suas obras continuam a atrair milhões de visitantes ao Vaticano e à Roma histórica, enquanto sua influência pode ser vista em artistas que buscaram capturar movimento, emoção e drama.

Ele não apenas dominou o mármore, mas também redefiniu os limites da escultura, transformando pedra em narrativas vivas que ainda hoje emocionam e surpreendem.

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