Barnard Hiil Morre aos 79 anos de idade

 

Bernard Hill (1944-2024) foi um ator inglês versátil de teatro, televisão e cinema, com uma carreira de mais de 50 anos marcada por interpretações intensas e memoráveis.

Nascido em 17 de dezembro de 1944, em Blackley, Manchester, em uma família católica de mineiros, Hill estudou no Xaverian College e se formou em teatro pela Manchester Polytechnic em 1970, onde foi colega de Richard Griffiths.

Ele ganhou projeção internacional ao interpretar o Rei Théoden, de Rohan, na trilogia O Senhor dos Anéis (2002-2003), o Capitão Edward Smith em Titanic (1997) e Luther Plunkitt, diretor da prisão de San Quentin, em True Crime (1999), de Clint Eastwood.

Na TV britânica, destacou-se como Yosser Hughes, o operário desempregado e problemático de Boys from the Blackstuff (1982), de Alan Bleasdale - papel icônico que lhe rendeu indicação ao BAFTA -, e mais recentemente como o Duque de Norfolk na adaptação da BBC de Wolf Hall (2015), baseada na obra de Hilary Mantel.

Hill tem uma distinção única: foi o único ator a participar de dois filmes que venceram 11 Oscars cada - Titanic e O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei (2003).

Em 2004, o elenco de O Retorno do Rei recebeu o prêmio de Melhor Elenco nos Screen Actors Guild Awards. Sua vida pessoal incluía um filho, Gabriel, com quem estava no momento de sua morte, e uma longa paixão pelo Manchester United.

Em 2019, recebeu doutorado honorário da University of East Anglia. Morava em Suffolk. Bernard Hill faleceu em 5 de maio de 2024, aos 79 anos, em Reydon, Suffolk.

A causa da morte não foi divulgada publicamente. Sua partida gerou homenagens de colegas como os atores de O Senhor dos Anéis, Alan Bleasdale e outros, celebrando um intérprete que transitou com maestria entre dramas sociais britânicos e blockbusters hollywoodianos, deixando um legado de autenticidade e força dramática.

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Nelson Xavier - Ator

Nelson Xavier: o ator que habitava seus personagens

Há artistas que passam pela arte. Outros, porém, parecem nascer dentro dela. Assim foi a vida de Nelson Xavier - um homem que transformou o palco, a câmera e a palavra em território de existência.

Ele nasceu em São Paulo, em 30 de agosto de 1941, numa cidade que naquela época crescia vertiginosamente entre fábricas, teatros e sonhos culturais.

Talvez tenha sido naquele ambiente vibrante que o jovem Nelson aprendeu cedo a observar o mundo com atenção, como fazem os grandes intérpretes: aqueles que sabem que cada gesto humano pode ser um personagem esperando para nascer.

Ainda muito jovem, decidiu que seu destino estaria ligado à arte dramática. Ingressou na tradicional Escola de Arte Dramática da Universidade de São Paulo, ligada à Universidade de São Paulo, onde começou a lapidar o talento que mais tarde o transformaria em um dos grandes atores do país.

Mas antes mesmo de conquistar os palcos, Nelson também exercitou outro olhar: o da crítica. Escreveu sobre teatro na revista Visão, observando o trabalho dos outros enquanto construía silenciosamente o seu próprio caminho.

Naqueles anos, integrou também o histórico Teatro de Arena de São Paulo, um dos movimentos mais importantes da dramaturgia brasileira. Ali, o teatro deixava de ser apenas entretenimento para se tornar reflexão, denúncia e consciência social. Era um tempo em que o palco discutia o país - e Nelson Xavier estava no centro dessa efervescência cultural.

O cinema chegou cedo. Em 1959, com apenas dezoito anos, estreou nas telas em Fronteiras do Inferno. No ano seguinte já estava em Cidade Ameaçada, dando os primeiros passos em uma trajetória que se estenderia por mais de meio século.

Vieram então os anos intensos da década de 1960. Nelson Xavier passou a surgir em produções marcantes do cinema brasileiro, como Seara Vermelha, Os Fuzis e A Falecida. Seus personagens tinham algo em comum: eram homens complexos, carregados de humanidade, muitas vezes vivendo nas margens da sociedade.

Mas foi na década de 1970 que sua presença artística amadureceu por completo. Em Dois Perdidos numa Noite Suja, inspirado na obra de Plínio Marcos, e em Os Deuses e os Mortos, Nelson mostrou que era capaz de mergulhar profundamente na alma de seus personagens.

Naquele período também participou de produções marcantes como Rainha Diaba e Dona Flor e Seus Dois Maridos, baseado no romance de Jorge Amado.

Em 1978 veio um momento decisivo. No filme A Queda, Nelson Xavier interpretou um operário esmagado pelas contradições do mundo do trabalho. O papel lhe trouxe reconhecimento internacional e prêmios importantes, inclusive no Festival Internacional de Cinema de Berlim. Era o reconhecimento de um ator que sabia transformar sofrimento humano em arte.

As décadas seguintes consolidaram sua presença no cinema brasileiro. Em Eles Não Usam Black-tie, adaptação da peça de Gianfrancesco Guarnieri, voltou a dar vida a personagens ligados às tensões sociais do país. Em Césio 137 - O Pesadelo de Goiânia, reviveu nas telas uma das maiores tragédias da história recente do Brasil.

Nos anos 2000, sua presença se tornou mais rara no cinema, mas cada aparição carregava o peso da experiência. Em Narradores de Javé, participou de uma obra que celebrava a memória e a força das histórias contadas pelo povo.

Então veio um dos papéis mais marcantes de sua carreira. Em 2010, Nelson Xavier interpretou o médium Chico Xavier no filme Chico Xavier. Sua atuação emocionou o público e revelou uma sensibilidade rara. Não era apenas um ator representando alguém famoso - parecia, por vezes, que ele próprio havia sido atravessado pelo espírito daquele personagem.

Ainda repetiria o papel em As Mães de Chico Xavier, aprofundando essa interpretação que marcou toda uma geração de espectadores. Mesmo na maturidade, continuou surpreendendo.

Em A Despedida, interpretou um homem confrontado com os limites do tempo e da vida, atuação que lhe rendeu novamente o Kikito de Melhor Ator no Festival de Cinema de Gramado. Foi uma prova de que o talento não envelhece - apenas se torna mais profundo.

Na vida pessoal, Nelson viveu amores e construiu família. Foi casado por um período com a atriz Joana Fomm e, mais tarde, com a cantora Via Negromonte, com quem compartilhou muitos anos de vida. Teve quatro filhos.

Em 2004, recebeu o diagnóstico de câncer de próstata. Lutou contra a doença e chegou a declarar-se curado anos depois. Mas a vida, como muitas vezes acontece nas histórias humanas, guarda seus próprios desfechos.

No dia 10 de maio de 2017, em Uberlândia, Nelson Xavier partiu aos 75 anos. Talvez a morte silencie o corpo. Mas não silencia a arte.

Os personagens que ele viveu continuam caminhando pelas telas, pelos arquivos de cinema, pela memória cultural do Brasil. Em cada olhar intenso, em cada pausa dramática, permanece algo daquele ator que acreditava que interpretar era mais do que representar.

Era, antes de tudo, compreender profundamente o ser humano. E nisso, Nelson Xavier foi um mestre.

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Lauro Corona - Faleceu muito jovem

 O brilho breve de Lauro Corona

Lauro Corona foi daqueles rostos que parecem nascer prontos para a televisão. Dono de olhos azuis marcantes, sorriso delicado e uma presença suave, ele surgiu no final dos anos 1970 e rapidamente conquistou o público brasileiro.

Carioca da zona sul, começou a trabalhar ainda muito jovem, ajudando na butique da mãe. Mas a vida tinha outros planos. Primeiro vieram os trabalhos como modelo e as campanhas publicitárias - inclusive para marcas populares como Coca-Cola e Bob's. Não demorou para que o caminho natural o levasse ao teatro e, logo depois, à televisão.

A grande virada aconteceu quando apareceu na novela Dancin' Days, escrita por Gilberto Braga. A produção virou um fenômeno nacional e apresentou ao Brasil um novo galã - jovem, moderno e carismático - que contracenava com a também jovem Glória Pires.

Daí em diante, Lauro tornou-se presença constante nas novelas de sucesso. Em Baila Comigo, seu personagem popularizou o uso de bandana e penteado que jovens do país inteiro passaram a imitar. Vieram depois trabalhos importantes como Elas por Elas, Corpo a Corpo e Direito de Amar.

O cinema também o recebeu. Em Bete Balanço, dividiu a tela com Débora Bloch, em um filme que capturava o espírito jovem da década e tinha na trilha sonora a voz de Cazuza, com sua banda Barão Vermelho.

A semelhança física entre Lauro e Cazuza chegou a alimentar o curioso boato de que seriam parentes - o que nunca foi verdade.

Entre colegas e amigos, ele era simplesmente Laurinho. Gentil, discreto e querido nos bastidores, tornou-se um dos galãs mais populares da televisão brasileira, a ponto de ser chamado pelo público de “o galã das seis”, referência ao horário tradicional das histórias românticas.

Mas o brilho daquela carreira promissora seria interrompido cedo demais. No final dos anos 1980, enquanto atuava na novela Vida Nova, sua saúde começou a se deteriorar. Em uma época marcada pelo medo e pelo preconceito em torno da AIDS, Lauro enfrentou a doença de forma silenciosa e reservada.

A trama da novela precisou mudar o destino de seu personagem. Na última cena, um carro preto desaparece na noite chuvosa enquanto se ouve o poema “Viajar! Perder países!”, de Fernando Pessoa, declamado pelo próprio ator - uma despedida que hoje parece carregada de simbolismo.

Em 20 de julho de 1989, aos 32 anos, Lauro Corona morreu no Rio de Janeiro. O país inteiro recebeu a notícia com surpresa e tristeza. Revistas e jornais estamparam seu rosto, enquanto fãs choravam a perda precoce daquele jovem que parecia ter ainda uma longa história pela frente.

Com o tempo, seu nome se transformou em memória afetiva de uma geração. Décadas depois, o Canal Viva chegou a elegê-lo como o maior galã dos anos 80.

Talvez porque Lauro Corona tenha ficado congelado no tempo - jovem, belo e promissor - como se tivesse saído de cena no auge de sua própria história.

E é assim que muitos ainda o lembram: um rosto iluminado pela televisão, um talento interrompido cedo demais, e uma presença que o tempo não conseguiu apagar.

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Paulo Grancindo - Interpretou Grandes Papéis no Cinema e na TV Brasileira

Paulo Gracindo - Um dos grandes nomes do rádio, do cinema e da televisão brasileira

Paulo Gracindo, nome artístico de Pelópidas Guimarães Brandão Gracindo, nasceu no Rio de Janeiro em 16 de julho de 1911 e faleceu na mesma cidade em 4 de setembro de 1995.

Foi um dos mais respeitados atores e radialistas do Brasil, construindo uma carreira que atravessou o teatro, o rádio, o cinema e a televisão durante mais de seis décadas.

Biografia

Embora tenha nascido no Rio de Janeiro, Paulo Gracindo costumava dizer que era alagoano de coração, pois ainda bebê mudou-se com a família para a cidade de Maceió, em Alagoas.

Desde jovem sonhava em ser ator, mas enfrentou forte oposição do pai, que considerava a profissão pouco respeitável. Conta-se que o pai chegou a adverti-lo: “No dia em que você subir a um palco, saio da plateia e te arranco de lá pela gola.”

Por respeito à vontade paterna, Gracindo adiou seu sonho até a morte do pai. Somente então decidiu seguir o caminho artístico.

Aos vinte anos mudou-se novamente para o Rio de Janeiro em busca de oportunidades. O início foi extremamente difícil: passou por grandes privações, chegou a dormir nas ruas e enfrentou períodos de fome.

Determinado a ingressar no meio teatral, aproximou-se do grupo do tradicional Teatro Ginástico Português, uma das companhias mais prestigiadas da época. Seu nome de batismo - Pelópidas Guimarães Brandão Gracindo - era considerado complicado para o palco.

Ele próprio contava, com humor, que muitos o chamavam de maneiras diferentes: “Uns diziam Petrópolis, outros Pelopes… e a empregada me chamava de Envelope.” Assim decidiu adotar o nome artístico Paulo Gracindo, que se tornaria conhecido em todo o país.

Nos primeiros papéis no teatro, sua participação era mínima. Em uma dessas apresentações, um crítico chegou a comentar com ironia: “De onde veio esse rapaz que não faz nada e aparece tanto?”

O tempo provaria o contrário: Gracindo acabaria se tornando um dos maiores intérpretes do país, participando das principais companhias teatrais das décadas de 1930 e 1940.

O sucesso no rádio

A verdadeira consagração nacional veio através do rádio. Na chamada Era de Ouro do Rádio, ele se destacou na lendária Rádio Nacional, onde apresentou o popular Programa Paulo Gracindo.

Um de seus papéis mais memoráveis foi na radionovela O Direito de Nascer, na qual interpretou o personagem Alberto Limonta, emocionando milhões de ouvintes em todo o Brasil e em vários países da América Latina.

Outro enorme sucesso radiofônico foi o humorístico Balança mas Não Cai, em que atuava ao lado de Brandão Filho no famoso quadro do Primo Rico e Primo Pobre, uma sátira social que se tornaria clássica.

Consagração na televisão

Quando a televisão brasileira começou a se consolidar, Paulo Gracindo rapidamente se tornou um de seus grandes nomes. Atuou em inúmeras produções marcantes, entre elas:

Bandeira 2 (1971) – como o personagem Tucão

Gabriela (1975) – interpretando o coronel Ramiro Bastos

O Casarão (1976) – como João Maciel

Roque Santeiro (1985) – no papel do padre Hipólito

Mas o personagem que o transformou definitivamente em um ícone da televisão brasileira foi o prefeito Odorico Paraguaçu, da novela O Bem-Amado, escrita por Dias Gomes.

A novela tornou-se histórica por ser a primeira telenovela brasileira exibida em cores, em 1973. Odorico Paraguaçu, com seu discurso rebuscado, cheio de palavras inventadas e frases grandiosas, tornou-se um dos personagens mais memoráveis da dramaturgia nacional.

Anos depois, Gracindo ainda marcaria presença em Rainha da Sucata (1990), interpretando Betinho (Alberto Figueiroa). Na novela, popularizou o bordão “Coisas de Laurinha!”, repetido frequentemente pelo personagem.

Cinema

Embora tenha participado de poucos filmes, Paulo Gracindo também deixou sua marca no cinema brasileiro. Trabalhou com importantes diretores e era admirado por cineastas ligados ao movimento do Cinema Novo.

Um de seus trabalhos mais lembrados foi no filme Terra em Transe, dirigido por Glauber Rocha. Mesmo assim, o ator costumava dizer, com seu humor característico, que o cinema era complicado demais: “Cinema é coisa de chinês.”

Últimos trabalhos

Já no final da carreira, participou da minissérie Agosto, baseada na obra de Rubem Fonseca, interpretando o maestro Emílio. O papel teve um tom quase de despedida e marcou o encerramento da trajetória de um dos maiores atores da história da televisão brasileira.

Morte e legado

Paulo Gracindo faleceu em 4 de setembro de 1995, aos 84 anos, vítima de câncer de próstata. Foi sepultado no tradicional Cemitério de São João Batista, no Rio de Janeiro, local onde repousam muitos nomes importantes da cultura brasileira.

Seu talento artístico permaneceu na família. Ele foi pai do ator Gracindo Júnior e avô dos atores Gabriel Gracindo, Pedro Gracindo e Daniela Duarte, dando continuidade a uma linhagem dedicada às artes cênicas.

Com uma carreira que atravessou teatro, rádio, cinema e televisão, Paulo Gracindo permanece lembrado como um intérprete versátil, carismático e profundamente brasileiro.

Seus personagens - especialmente o inesquecível Odorico Paraguaçu - continuam vivos na memória cultural do país, representando uma época de ouro da dramaturgia nacional.

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Michael Clarke Duncan - John Coffey em A Espera de um Milagre

Michael Clarke Duncan - eternizado como John Coffey em The Green Mile (À Espera de um Milagre) - nasceu em Chicago, em 10 de dezembro de 1957, e faleceu em Los Angeles, em 3 de setembro de 2012.

Foi ator e dublador norte-americano, reconhecido por sua presença imponente - com quase dois metros de altura - e, ao mesmo tempo, por sua capacidade de transmitir sensibilidade e humanidade em seus personagens.

Seu papel mais marcante foi o de John Coffey, no filme dirigido por Frank Darabont, baseado na obra de Stephen King. Pela atuação, Duncan recebeu indicações ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante e ao Globo de Ouro, conquistando respeito da crítica e do público.

John Coffey, um homem condenado à morte que revela dons sobrenaturais e uma profunda inocência, tornou-se um dos personagens mais emocionantes do cinema contemporâneo - e a interpretação de Duncan foi decisiva para esse impacto.

Antes de alcançar o estrelato, sua trajetória foi marcada por esforço e perseverança. Criado por sua mãe, Jean Duncan, em Chicago, trabalhou como escavador de valas, segurança em casas noturnas e até guarda-costas de celebridades como Will Smith e Martin Lawrence.

Essa profissão acabou abrindo portas para pequenas participações em produções de cinema e televisão. Seu primeiro trabalho no cinema foi em Friday (1995), mas o papel foi tão breve que ele sequer apareceu nos créditos.

A virada em sua carreira começou em 1998, quando atuou em Armageddon, ao lado de Bruce Willis. Impressionado com o talento e o carisma de Duncan, Willis o indicou a Frank Darabont para o papel em The Green Mile, decisão que mudaria definitivamente sua trajetória.

Após o sucesso do filme, Michael Clarke Duncan passou a aparecer com frequência nas telas. Em 2000, voltou a trabalhar com Bruce Willis em The Whole Nine Yards (Meu Vizinho Mafioso). Participou também de produções como Planet of the Apes (Planeta dos Macacos), The Scorpion King, Daredevil (Demolidor), Sin City, The Island e Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby.

Na televisão, fez participação especial na série Two and a Half Men (Dois Homens e Meio). Em 2009, protagonizou a comédia The Slammin' Salmon. Paralelamente à atuação em frente às câmeras, destacou-se como dublador.

Emprestou sua voz a personagens de animações como Brother Bear (Irmão Urso) e à sequência Brother Bear 2. Nos videogames, deu voz ao Titã Atlas em God of War II e a Benjamin King em Saints Row.

Também participou de produções do universo Marvel, incluindo a voz de Groot em um episódio da série animada Ultimate Spider-Man, no qual recebeu homenagem póstuma com a frase: “He was the voice of Groot”.

Fora das telas, Duncan adotou o vegetarianismo e participou de campanhas da organização People for the Ethical Treatment of Animals (PETA), defendendo a causa dos direitos dos animais.

Em 13 de julho de 2012, sofreu um infarto. Foi socorrido por sua noiva, Omarosa Manigault, que conseguiu reanimá-lo antes da chegada dos paramédicos. Contudo, seu estado permaneceu grave, e em 3 de setembro de 2012 ele faleceu, aos 54 anos, em decorrência de complicações cardíacas, em Los Angeles. Seu sepultamento ocorreu em 7 de setembro, na Califórnia.

Michael Clarke Duncan deixou como legado não apenas uma carreira sólida no cinema e na dublagem, mas também a lembrança de um artista cuja força física contrastava com a delicadeza emocional de suas interpretações.

Sua atuação em À Espera de um Milagre permanece como símbolo de compaixão, humanidade e da capacidade do cinema de tocar profundamente o coração do público.

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Eliane de Grammont - Assassinada pelo marido Lindomar Castilho

 

Eliane Aparecida de Grammont (São Paulo, 10 de agosto de 1955 - São Paulo, 30 de março de 1981) foi uma cantora e compositora brasileira, conhecida principalmente por ter sido vítima de um dos feminicídios mais emblemáticos da história do Brasil, cometido por seu ex-marido, o cantor Lindomar Castilho, conhecido como o "Rei do Bolero".

Filha da compositora Elena de Grammont, Eliane cresceu em uma família numerosa - com 11 irmãos -, na qual vários seguiram carreiras no jornalismo e no rádio, como sua irmã Helena de Grammont, que se tornou jornalista na Rede Globo.

Seu pai faleceu vítima de miocardiopatia, doença hereditária que também acometeu dois de seus irmãos. Em 1977, Eliane conheceu Lindomar Castilho nos corredores da gravadora RCA. Na época, ele vivia o auge da carreira, com álbuns vendendo mais de 800 mil cópias - um número impressionante para os padrões da época.

Após dois anos de namoro, o casal se casou em 1979. A família dela se opôs fortemente à união, mas Eliane seguiu em frente, insistindo em regime de separação total de bens para demonstrar que não estava interessada na fortuna do marido.

Castilho, no entanto, exigiu que ela abandonasse a carreira artística. O relacionamento foi marcado por violência: abuso de álcool por parte dele, crises intensas de ciúme, agressões físicas, separações e reconciliações constantes.

Eles tiveram uma filha, Liliane (Lili) de Grammont, nascida em 1979. Após pouco mais de um ano de casamento, Eliane pediu o desquite em 1980. Seis meses depois, ela ainda tentou uma reconciliação, mas Lindomar impôs condições humilhantes, como assinar um documento com dez compromissos, incluindo pedir perdão a uma empregada doméstica que era motivo de brigas.

Diagnosticada com a mesma miocardiopatia que matara familiares, Eliane decidiu retomar a carreira musical. Recebeu convite do violonista e cantor Carlos Randall (nome artístico de Carlos Roberto da Silva, primo de Lindomar) para se apresentar no Café Belle Époque, em São Paulo.

Os dois iniciaram um romance, o que agravou o ciúme possessivo de Castilho.

O crime

Na madrugada de 30 de março de 1981, Eliane se apresentava no Café Belle Époque, próximo à Avenida Paulista, acompanhada por Randall ao violão. Enquanto cantava a música "João e Maria", de Chico Buarque - exatamente nos versos "Agora era fatal / Que o faz-de-conta terminasse assim" -, Lindomar Castilho invadiu o local armado com um revólver calibre .38.

Ele disparou cinco tiros contra a ex-mulher, atingindo-a mortalmente no peito (ou nas costas, conforme algumas fontes). Um dos disparos também feriu Randall no abdome (ou na virilha, segundo relatos variados).

Eliane caiu no palco e morreu a caminho do hospital. Castilho tentou fugir, mas foi contido por Randall (mesmo ferido) e pelo dono da casa noturna, William Schmidt, que o amarraram até a chegada da polícia. Populares o espancaram antes da detenção.

O julgamento e o contexto histórico

O caso chocou o país e ocorreu em uma época em que "crimes passionais" eram frequentemente relativizados pela sociedade e pelo Judiciário, com defesas baseadas na "legítima defesa da honra", "violenta emoção" ou "passionalidade".

O adultério ainda era crime no Código Penal brasileiro, e expressões como "defesa da honra" eram usadas para justificar feminicídios. O julgamento ocorreu em agosto de 1984, no icônico Salão do Júri do Palácio da Justiça, em São Paulo - um dos últimos grandes casos julgados ali.

A defesa, liderada pelo advogado Waldir Troncoso Perez, explorou alegações de que Eliane era uma mãe negligente, infiel e de "conduta reprovável". Enquanto isso, mulheres protestavam em frente ao fórum com faixas como "Quem ama não mata".

Homens (alguns supostamente contratados) se juntaram para hostilizá-las, jogando ovos e gritando frases como "mulher que bota chifre tem que virar sanduíche".

A assistência à acusação contou com o então presidente da OAB, Márcio Thomaz Bastos. Após 36 horas de debates e ampla cobertura da imprensa, cinco dos sete jurados votaram pela condenação.

Lindomar foi sentenciado a 12 anos e dois meses de prisão por homicídio duplamente qualificado (motivo fútil e traição). Cumpriu cerca de sete anos em regime fechado e o restante em semiaberto, ficando quite com a Justiça em 1996.

O caso foi influenciado pelo julgamento anterior de Doca Street (que matou Ângela Diniz em 1976 e foi absolvido no primeiro júri, mas condenado no segundo), ajudando a enfraquecer a tese da "defesa da honra".

Impacto e legado

O assassinato mobilizou o movimento feminista brasileiro. Após uma missa na Igreja da Consolação em 4 de abril de 1981, mais de mil mulheres vestidas de preto marcharam até o Cemitério do Araçá com o lema "Quem ama não mata".

Surgiram grupos de apoio, como o "Grupo Masculino de Apoio à Luta das Mulheres", que lançou manifestos contra a violência. O humorista Henfil, em sua coluna na revista IstoÉ, criticou ironicamente a misoginia da sociedade ao comentar humilhações contra homens comparadas à condição feminina.

Em 1982, manifestantes impediram Castilho de se apresentar em Goiânia com panfletos dizendo: "Eliane de Grammont não vai cantar hoje. Ela está morta".

Em homenagem, ruas foram batizadas com seu nome em São Paulo (Bairro da Barra Funda, desde dezembro de 1981) e em Londrina (PR). Existe a Casa Eliane de Grammont, centro de acolhimento e apoio psicossocial e jurídico a mulheres em situação de violência, mantido pela Prefeitura de São Paulo.

A filha do casal, Lili de Grammont (coreógrafa), órfã aos dois anos, transformou a dor em ativismo: participa de eventos contra a violência de gênero e perdoou o pai publicamente, mas destacou que "ao tirar a vida da minha mãe, ele também morreu em vida".

Lindomar viveu recluso após a pena, faleceu em 20 de dezembro de 2025, aos 85 anos. Esse feminicídio foi pivotal para mudar a percepção social sobre crimes contra mulheres no Brasil, pavimentando o caminho para avanços como a Lei Maria da Penha (2006) e a tipificação do feminicídio (2015).

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Helena dos Santos – Compositora de Roberto Carlos

Helena dos Santos Oliveira, conhecida simplesmente como Helena dos Santos, foi uma compositora brasileira nascida em Conselheiro Lafaiete, Minas Gerais, no dia 7 de janeiro de 1922. Ela se tornou famosa principalmente por suas composições gravadas pelo cantor Roberto Carlos, o "Rei" da música brasileira, com quem manteve uma longa e frutífera parceria artística.

Vida e superação

Helena dos Santos foi uma mulher do povo, humilde e resiliente, que enfrentou inúmeras dificuldades ao longo da vida, mas soube transformar suas dores e experiências em letras e melodias marcantes.

Filha de Francisco dos Santos e Maria Amália dos Santos, cresceu em condições precárias. Ainda criança, perdeu a mãe e passou a viver com a madrasta até os 11 anos de idade.

Aos 12 anos, mudou-se para o Rio de Janeiro junto com uma irmã e o cunhado, em busca de melhores oportunidades. No Rio, começou a trabalhar cedo: primeiro em uma fábrica de tecidos e depois em uma loja de confecções masculinas na Rua Frei Caneca, onde aprendeu a costurar.

Um grave acidente de trem a deixou quase dois anos sem trabalhar, mas, recuperada, ela se empregou como doméstica. Aos 17 anos, conheceu Lauro de Oliveira, um jovem de Cabo Frio que havia trabalhado na mesma fábrica que ela.

Os dois se namoraram, casaram-se e tiveram seis filhos. Tragicamente, doze anos depois, Lauro faleceu, deixando Helena viúva e grávida do sexto filho. Em situação de extremo desamparo financeiro, ela precisou se virar sozinha para sustentar a família.

Após um período fazendo faxinas, voltou à máquina de costura e passou a confeccionar roupas sob medida para clientes de bairros nobres como Copacabana, Ipanema e Leblon, trabalhando muitas vezes até altas horas da madrugada.

Com apenas o ensino primário concluído em sua cidade natal, Helena não dominava as regras gramaticais formais, mas aprendeu noções de composição, rimas e estrutura de canções com o marido Lauro, que a incentivava artisticamente.

A entrada no mundo da música

Nos anos 1960, o rock e a Jovem Guarda dominavam a cena musical brasileira, especialmente entre os jovens. Inspirada pelo movimento, Helena decidiu compor no estilo da época. Em 1963, finalizou sua primeira música, "Na Lua Não Há", uma canção leve e romântica que questionava se haveria "um broto legal" até na Lua.

Determinada, a ex-faxineira e costureira começou uma verdadeira batalha para encontrar um intérprete. Após muita insistência, durante uma visita à Rádio Nacional, conseguiu apresentar a composição ao então iniciante Roberto Carlos.

Ele gostou imediatamente da música e decidiu gravá-la no mesmo ano, incluída em seu LP de estreia, Splish Splash (1963). Foi o início de uma parceria de sucesso e de uma amizade sincera que durou décadas.

Roberto Carlos gravou ao todo cerca de dez composições de Helena dos Santos, incluindo sucessos como: "Na Lua Não Há" (1963), "Meu Grande Bem" (1964), "Como É Bom Saber" (1965), "Sorrindo Para Mim" (1965), "Esperando Você" (1966), "Fiquei Tão Triste" (1966), "Agora Eu Sei" (1972, em parceria com Epitácio Magalhães). E outras, com três delas em coautoria com o compositor Edson Ribeiro.

Roberto considerava que Helena lhe trazia "sorte", e as músicas dela ajudaram a consolidar seu estilo romântico e jovem nos anos iniciais da carreira. Com os direitos autorais recebidos, Helena conseguiu melhorar de vida: mudou-se com os filhos para um apartamento no Horto Florestal e também morou em Bangu, no Rio de Janeiro.

Em 1970, publicou o livro O Rei e Eu, serializado em capítulos pela revista Contigo. Nele, ela relatava detalhes da amizade com Roberto Carlos, revelando momentos pessoais, confidências e o impacto que a parceria teve em sua vida.

Legado e falecimento

Helena dos Santos faleceu no Rio de Janeiro em 23 de outubro de 2005, aos 83 anos, em sua residência em Bangu. Apesar de sua trajetória inspiradora - de doméstica e costureira a compositora de hits do maior ídolo da música brasileira -, ela permanece pouco lembrada pelo grande público, o que é uma injustiça diante de sua contribuição à Jovem Guarda e ao cancioneiro popular.

Sua história é um exemplo de superação, talento nato e persistência, mostrando como uma mulher simples, sem formação acadêmica formal na música, pode deixar um legado duradouro ao transformar vivências pessoais em canções que tocaram gerações.

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Morte de Sharon Tate

 

No dia 8 de agosto de 1969, Sharon Tate, atriz de 26 anos conhecida por filmes como O Vale das Bonecas, estava a cerca de duas semanas do parto - grávida de oito meses e meio de seu primeiro filho com o diretor Roman Polanski.

Ela passou a tarde em casa, no número 10050 de Cielo Drive, em Benedict Canyon (Los Angeles), almoçando com duas amigas e desabafando sobre o desapontamento: Polanski, que estava em Londres trabalhando no filme O Dia do Golfinho, havia adiado por alguns dias seu retorno.

À tarde, ele telefonou para ela, assim como as irmãs de Sharon, Debra e Patti, que pediram para passar a noite na casa - pedido que Sharon recusou gentilmente, preferindo descansar.

À noite, Sharon saiu para jantar com amigos no restaurante El Coyote, um lugar mexicano simples e favorito dela em Hollywood. O grupo - composto por Jay Sebring (seu cabeleireiro e ex-namorado), Abigail Folger (herdeira da fortuna do café Folgers) e Wojciech Frykowski (amigo de Polanski e namorado de Folger) - retornou à residência por volta das 22h30.

Na propriedade também estavam o caseiro William Garretson, que morava em uma casa de hóspedes menor e afastada, e seu amigo Steven Parent, um estudante de 18 anos que visitava Garretson.

Nas primeiras horas da madrugada de 9 de agosto, por ordem de Charles Manson - líder de um grupo sectário conhecido como “Família Manson” -, quatro de seus seguidores (todos jovens entre 20 e 23 anos) invadiram a casa: Charles “Tex” Watson, Susan Atkins, Patricia Krenwinkel e Linda Kasabian (esta última atuando como vigia).

O ataque foi brutal e aleatório em aparência, mas motivado pela obsessão de Manson com uma suposta guerra racial apocalíptica (“Helter Skelter”, inspirada em uma música dos Beatles) e ressentimentos pessoais.

Steven Parent foi o primeiro a morrer: ao tentar sair de carro da propriedade, deparou-se com o grupo e foi baleado quatro vezes por Watson com um revólver .22.

Dentro da casa, os invasores reuniram os moradores na sala de estar. Tate e Sebring foram amarrados pelo pescoço com uma corda jogada sobre uma viga; Sebring foi baleado e esfaqueado sete vezes.

Frykowski tentou fugir pela porta dos fundos, mas foi perseguido, baleado duas vezes, golpeado na cabeça e esfaqueado 51 vezes. Folger também escapou brevemente, mas foi alcançada e esfaqueada 28 vezes.

Sharon Tate, implorando pela vida do bebê, foi esfaqueada 16 vezes (muitas no peito, abdômen e costas), causando hemorragia massiva que matou tanto ela quanto o feto (postumamente chamado Paul Richard Polanski). Susan Atkins usou o sangue de Tate para escrever “PIG” (porco) na porta da frente - um detalhe que chocou a todos.

No total, os cinco corpos apresentaram 102 ferimentos de faca. Na noite seguinte (9 para 10 de agosto), o mesmo grupo, agora com Manson presente e acrescido de Leslie Van Houten e Steve Grogan, invadiu a casa de Leno e Rosemary LaBianca, um casal de donos de mercearia.

Manson amarrou o casal, roubou-os e saiu; os seguidores restantes os esfaquearam repetidamente (Leno sofreu 26 ferimentos, incluindo marcas de garfo; Rosemary, 41), deixando mensagens sangrentas como “DEATH TO PIGS” e “RISE” nas paredes.

As investigações iniciais foram lentas e confusas, mas em outubro de 1969, após a prisão de Manson e parte do grupo por outros crimes (como o assassinato de Gary Hinman), Susan Atkins confessou detalhes em conversas com detentas, levando à identificação dos culpados.

O julgamento de 1970-1971 foi um dos mais midiáticos da história americana, com Manson e seguidoras exibindo comportamentos teatrais (cabeças raspadas, interrupções). Todos foram condenados à morte em 1971.

A revelação de que os crimes foram aleatórios (Manson queria imitar um assassinato anterior e culpar os Panteras Negras) gerou pânico generalizado em Los Angeles. Celebridades e ricos temiam ser alvos; muitos abandonaram a cidade temporariamente, instalaram alarmes sofisticados, contrataram guarda-costas armados e enviaram filhos para fora da Califórnia.

O ator Christopher Jones, amigo próximo de Tate e estrela de A Filha de Ryan, sofreu colapso psicológico e precisou ser dublado por David Lean no filme. Steve McQueen compareceu armado ao funeral de Jay Sebring.

O jornalista Dominick Dunne descreveu o clima: uma “convulsão social” em que paranoia e medo se multiplicaram, alterando permanentemente a vida social de Hollywood - menos festas, mais desconfiança.

Sharon Tate foi sepultada em 13 de agosto de 1969 no Holy Cross Cemetery, em Culver City, com o filho natimorto em seus braços. Anos depois, sua mãe Doris e irmã Patti foram enterradas no mesmo local, compartilhando a lápide.

Em 1972, a Suprema Corte da Califórnia declarou a pena de morte inconstitucional temporariamente, comutando as sentenças para prisão perpétua. Linda Kasabian, que não matou ninguém e atuou como vigia, recebeu imunidade e foi a principal testemunha da acusação, liderada pelo promotor Vincent Bugliosi.

Em 1974, Bugliosi publicou Helter Skelter, relato detalhado do caso que se tornou o livro de true crime mais vendido da história, com mais de 7 milhões de cópias.

Susan Atkins morreu na prisão em 2009 (de câncer). Charles Manson faleceu em 2017 (aos 83 anos). Os demais condenados principais - Tex Watson, Patricia Krenwinkel e Leslie Van Houten - tiveram pedidos de liberdade condicional negados por décadas.

Van Houten foi libertada em 2023 após 53 anos presa. Krenwinkel, a mais antiga presa feminina da Califórnia, teve recomendações de liberdade em 2022 e 2025, mas o governador Gavin Newsom vetou ambas, alegando risco à sociedade.

Watson permanece preso. O caso Tate-LaBianca marcou o fim simbólico da era hippie dos anos 1960, revelando as sombras da contracultura e deixando um legado de trauma em Hollywood e na psique americana.

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Regina Dourado - Atriz Brasileira

Regina Maria Dourado, conhecida artisticamente como Regina Dourado, foi uma talentosa atriz, dançarina e diretora teatral brasileira. Nascida em 22 de agosto de 1952, na cidade de Irecê, no interior da Bahia (embora algumas fontes mencionem Salvador como local de nascimento), ela faleceu em 27 de outubro de 2012, em Salvador, aos 59 anos.

Regina iniciou sua carreira ainda jovem, aos 15 anos, na Companhia Baiana de Comédias, e construiu uma trajetória marcante no teatro, cinema e, especialmente, na televisão. Ao longo de mais de quatro décadas, destacou-se por interpretações vibrantes, com carisma e presença cênica inconfundíveis.

Ela se notabilizou por papéis de mulheres fortes, sensuais e populares, muitas vezes com traços cômicos ou popularescos, conquistando o carinho do público brasileiro. Entre suas participações mais lembradas na TV Globo estão novelas clássicas como:

Pai Herói (1979). Pão Pão, Beijo Beijo (1983), onde interpretou Lalá Sereno, Roque Santeiro (1985), Felicidade (1991), Renascer (1993), como a marcante Morena, Tropicaliente (1994), como Serena, Explode Coração (1995), novela de Glória Perez que trouxe sua maior consagração popular, O Rei do Gado (1996), como Magú, Anjo Mau (1997), como Alzira, Esperança (2002), América (2005)

Além das novelas, integrou o elenco de importantes minisséries, como Lampião e Maria Bonita (1982), onde interpretou a contestadora Joana Bezerra; O Pagador de Promessas (1988), como Branca da Silva Assis; e O Sorriso do Lagarto (1992), como Neide.

Sua consagração nacional veio especialmente em Explode Coração (1995), onde deu vida à inesquecível Lucineide Salgado, ao lado de Rogério Cardoso (o Salgadinho).

A personagem, com seu jeito extrovertido e bordão marcante "Stop Salgadinho!" (acompanhado de variações como "Me poupe, me economize!"), tornou-se um fenômeno popular na época, rendendo à atriz enorme simpatia do público e fixando-a na memória coletiva como uma das figuras mais carismáticas das novelas dos anos 1990.

Nos anos 2000, Regina também atuou em produções do SBT (Seus Olhos, 2004) e da Record, onde fez Bicho do Mato (2006-2007), interpretando Wanda, mãe de Betinha, e seu último trabalho na televisão: a novela Caminhos do Coração (2007-2008).

Em 2003, Regina foi diagnosticada com câncer de mama na mama direita, enfrentando cirurgias, quimioterapia e radioterapia. Ela lutou bravamente contra a doença por quase uma década, mas cerca de sete anos depois o câncer comprometeu também o seio esquerdo.

Em entrevistas posteriores, seu irmão Oscar Dourado revelou que, em certa fase, ela optou por interromper tratamentos mais agressivos, o que, segundo ele, acabou "abreviando a vida".

A atriz manteve a doença em sigilo por um tempo, inclusive da família próxima. No dia 20 de outubro de 2012, Regina foi internada no Hospital Português, em Salvador, devido a complicações graves decorrentes da doença.

A metástase havia atingido a medula óssea, levando a um quadro terminal e irreversível. Mantida sedada em um quarto da instituição, ela sofreu uma parada cardíaca e faleceu na manhã de 27 de outubro de 2012.

Regina Dourado deixou um legado de talento, alegria e representatividade, especialmente para atrizes baianas e para papéis que misturavam sensualidade, humor e força popular.

Sua partida foi lamentada por colegas, fãs e pela imprensa, que a recordam como uma artista exuberante e inesquecível da televisão brasileira.

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Carlos Alexandre - Faleceu em um acidente de carro

Carlos Alexandre - O Homem da Feiticeira

Pedro Soares Bezerra, mais conhecido pelo nome artístico Carlos Alexandre, nasceu em 1º de junho de 1957, em Santa Fé, distrito de Jundiá (RN), embora algumas fontes mencionem Nova Cruz como local associado à sua infância.

Filho de Gennaro Bezerra Martins e Antonieta Feconstinny Bezerra, teve uma origem humilde e uma infância marcada por dificuldades, incluindo separação precoce dos pais e trabalhos desde cedo, como em uma padaria.

Sua carreira na música começou em 1975, ainda adolescente, quando adotou o apelido "Pedrinho". O radialista Carlos Alberto de Sousa o descobriu e o levou para a gravadora RGE, em São Paulo.

Lá, gravou seu primeiro compacto simples com as músicas "Arma de Vingança" e "Canção do Paralítico", que alcançou impressionantes 100 mil cópias vendidas - um grande sucesso para um artista iniciante.

O verdadeiro estouro veio em 1978 com a canção "Feiticeira", que deu título ao seu primeiro LP e vendeu cerca de 250 mil cópias, rendendo disco de ouro e consagrando-o nacionalmente. O álbum foi gravado também em castelhano, ampliando seu alcance para o mercado latino-americano.

Carlos Alexandre tornou-se conhecido como o "Homem da Feiticeira" e integrou a onda da música brega/romântica popular nos anos 1970 e 1980, com letras que falavam de amor sofrido, traição, saudade e paixão.

Em janeiro de 1978, viajou para São Paulo ao lado de outros artistas potiguares, como Gilliard e Edson Oliveira, para gravar seus discos. Sua carreira foi meteórica: em apenas 11 anos (1975–1989), lançou diversos compactos e LPs pela RGE, conquistando 15 discos de ouro e um de platina, com mais de 2 milhões de discos vendidos no total. Sua discografia inclui títulos como:

Feiticeira (1978), Voltei (1979), Já Troquei Você Por Outra (1980), Mulher de Muitos (1981), Revelação de Um Sonho (1982). E outros, como Nosso Quarto É Testemunha (1987) e Sei, Sei (lançado pouco antes de sua morte, em 1988/1989).

Entre seus maiores sucessos estão "Feiticeira", "A Ciganinha", "Cartão Postal", "Sertaneja", "Vá Pra Cadeia", "Toque Em Mim", "Timidez" e "Por Que Você Não Responde".

Ele excursionava intensamente pelo Brasil, especialmente pelo Nordeste, e em algumas viagens era acompanhado pela esposa Solange, com quem se casou em fevereiro de 1978. Segundo relatos da época, Solange ia sempre que ele gravava em São Paulo, mas Carlos Alexandre retornava à Natal para "gastar o que ganhava fora", considerando a capital potiguar seu lugar de descanso e lazer. Morava no bairro Cidade da Esperança, na Zona Oeste de Natal.

O trágico acidente

No dia 30 de janeiro de 1989, aos 31 anos, Carlos Alexandre faleceu em um grave acidente automobilístico na estrada estadual RN-093, que liga os municípios de Tangará e São José do Campestre, na região da Borborema potiguar (divisa entre Agreste e Trairi, no Rio Grande do Norte).

Ele voltava de um show realizado em Pesqueira (PE) e seguia para casa, em Natal, quando o veículo saiu da pista. O cantor estava sem cinto de segurança, e relatos da época indicam que o corpo foi arremessado para fora do carro, com a cabeça chocando-se violentamente.

O acidente ocorreu por volta das 13h, e ele morreu no local. Pouco antes, havia lançado o disco Sei, Sei, que ainda estava em divulgação. A tragédia interrompeu uma carreira em ascensão e chocou o público nordestino e brasileiro.

O velório foi realizado no ginásio de esportes do bairro Cidade da Esperança, em Natal, e o enterro, no dia 31 de janeiro, no Cemitério de Bom Pastor, reuniu milhares de fãs emocionados.

Segundo matérias jornalísticas da época, o sepultamento foi marcado por um momento tocante: a multidão cantou em coro a música "Feiticeira" enquanto o caixão era baixado à sepultura.

Carlos Alexandre deixou um legado duradouro na música brega romântica, com composições que continuam sendo regravadas e lembradas até hoje. Sua história inspira documentários, livros (como uma biografia lançada em 2015) e homenagens, provando que, apesar da carreira curta, ele marcou profundamente a cultura popular potiguar e nordestina.

Caetão Postal

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Gloria Stewart - Rose DeWitt Bukater velha do Titanic

Gloria Frances Stuart, nascida Gloria Stewart, nasceu em Santa Mônica, Califórnia, em 4 de julho de 1910. Foi uma atriz norte-americana de cinema, teatro e televisão, além de artista visual, pintora e ativista política.

Alcançou fama mundial sobretudo por sua interpretação da idosa Rose Dawson Calvert - anteriormente Rose DeWitt Bukater - no épico Titanic (1997), dirigido por James Cameron.

O filme tornou-se um dos maiores sucessos de bilheteria da história do cinema à época, arrecadando mais de US$ 2 bilhões mundialmente e conquistando 11 estatuetas do Oscar, incluindo Melhor Filme.

Em 1998, aos 87 anos, Gloria Stuart tornou-se a pessoa mais idosa da história a receber uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. Até hoje, ela mantém esse recorde especificamente nessa categoria, embora outros artistas tenham sido indicados em idades semelhantes ou superiores em categorias distintas.

Sua atuação sensível e comovente como a centenária Rose - que relembra o naufrágio do Titanic em 1912 - também lhe rendeu uma indicação ao Globo de Ouro e a vitória no Screen Actors Guild Award de Melhor Atriz Coadjuvante, em um empate com Kim Basinger por L.A. Confidential.

Curiosamente, Gloria Stuart foi a única integrante do elenco de Titanic que já estava viva na época do desastre real, em 1912. Além disso, viveu exatamente até os 100 anos, a mesma idade aproximada de sua personagem no filme, um detalhe que contribuiu para o simbolismo e a força de sua presença na obra.

Sua carreira teve início nos anos 1930. Após participar de grupos de teatro universitários e produções amadoras - ela estudou na Universidade da Califórnia, em Berkeley -, assinou contrato com os estúdios Universal Pictures em 1932.

Destacou-se especialmente em filmes de terror e suspense dirigidos por James Whale, como The Old Dark House (1932) e The Invisible Man (1933), este último ao lado de Claude Rains. Também atuou em The Kiss Before the Mirror (1933), igualmente sob a direção de Whale.

Pouco depois, transferiu-se para a 20th Century Fox, onde participou de mais de 40 filmes até o final da década de 1930. Embora frequentemente elogiada pela crítica por sua elegância e presença cênica, não alcançou o estrelato absoluto típico de algumas atrizes da Era de Ouro de Hollywood.

Ainda assim, trabalhou com nomes consagrados como Shirley Temple - em Rebecca of Sunnybrook Farm (1938) -, Lionel Barrymore, Kay Francis, Raymond Massey e Paul Lukas, além de aparecer em musicais como Gold Diggers of 1935.

Na década de 1940, atuou em poucos filmes e, desiludida com papéis repetitivos - frequentemente limitados ao estereótipo da “repórter” ou “detetive” -, aposentou-se das telas em 1946 para se dedicar à pintura. Como artista visual, conquistou reconhecimento: suas obras foram expostas em galerias nos Estados Unidos e na Europa.

Também se envolveu com impressão artística de livros e com a arte da jardinagem de bonsais. Paralelamente, Gloria Stuart manteve um forte engajamento político e social ao longo da vida.

Foi uma das fundadoras do Screen Actors Guild (SAG) em 1933 e integrou a Hollywood Anti-Nazi League durante os anos 1930, posicionando-se contra o avanço do fascismo e em defesa dos direitos dos artistas.

Após quase três décadas afastada do cinema, retornou às telas em 1975, no telefilme The Legend of Lizzie Borden. A partir de então, passou a atuar de forma esporádica em produções para a televisão e o cinema, como My Favorite Year (1982).

Nesse período, também enfrentou e superou um câncer de mama, demonstrando mais uma vez sua notável força pessoal. Seu grande renascimento artístico ocorreu com Titanic, em 1997.

Embora tivesse 86 anos na época das filmagens, foi envelhecida com maquiagem para interpretar Rose aos 101 anos. O papel lhe trouxe aclamação crítica, renovou sua visibilidade pública e abriu caminho para trabalhos posteriores, como The Million Dollar Hotel (2000) e Land of Plenty (2004), ambos dirigidos por Wim Wenders.

Gloria Stuart faleceu na noite de 26 de setembro de 2010, em sua residência em Los Angeles, aos 100 anos, em decorrência de falência respiratória. Seu corpo foi cremado.

Ela deixou um legado notável de resiliência, talento multifacetado e longevidade artística, com uma carreira que atravessou mais de sete décadas, tornando-se um símbolo de que o reconhecimento e o sucesso podem chegar em qualquer fase da vida.

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